Iggy Pop nació el 21 de abril de 1947 en Muskegon, Michigan (Estados Unidos).
Familia:
Hijo de Louella Christensen y James Newell Osterberg, profesor y entrenador de béisbol en la Fordson High School, en Dearborn, Michigan.
Con ascendencia inglesa e irlandesa por parte de padre, y noruega y danesa por parte de madre.
Músico:
A los cinco años ya tocaba la batería y cuando estaba en décimo grado creó el grupo de rock, Iguanas y consiguieron actuar en el norte de Michigan, en un local llamado Ponytail Club.
Estudios:
Cursó estudios en la Universidad de Michigan, pero en 1966 abandonó y se unió a un grupo de blues llamado Prime Movers. En 1967 crea The Stooges y graban tres álbumes.
Padre:
En 1970, fue padre de Eric, fruto de su relación con una joven de Los Ángeles llamada Paulette Benson. En ese mismo año los miembros del grupo empezaron su adicción a las drogas.
En Los Angeles, donde se trasladó, fue arrestado en más de una ocasión. Todos los miembros del grupo excepto Ron, se convirtieron en heroinómanos.
Canciones:
En abril de 1973 aparece Raw Power, remezclado por David Bowie. En marzo del 75, registra nueve canciones junto a James Williamson bajo el auspicio económico del periodista Bob Edmonds y el compositor Jim Webb. El resultado de estas sesiones sería Kill City, un disco gestado mientras estaba ingresado en el hospital voluntariamente para seguir una cura de desintoxicación.
Iggy Pop viaja a Europa y se instala en Berlín.
En 1978, finalizó el contrato con RCA, y fue fichado por Arista, con la cual lanzó: New values. En 1982 prepara Zombie birdhouse, en el sello independiente Animal Records. En la gira de este disco fue cuando conoció a su esposa, la japonesa Suchi.
En 1993 reaparece con American Caesar, y en 1996, lanza Naughty little doggie, que tuvo muy poca repercusión.
En 1999 publica su cuarto disco bajo el sello Virgin, llamado Avenue B. En 2009, aparece We're All Gonna Die, una canción para el álbum en solitario de Slash que salió en marzo de 2010.
El 28 de octubre de 2016, lanzó el álbum doble en vivo Post Iggy Pop Depression: Live At The Royal Albert Hall. Su decimoctavo álbum de estudio, Free, fue lanzado el 6 de septiembre de 2019.
En enero de 2020, recibió el Premio a la Trayectoria en los Grammy. En abril del mismo año, presentó una mezcla alternativa de su canción China Girl como parte de una caja de lujo de siete discos que incluía versiones remasterizadas expandidas de los álbumes The Idiot y Lust for Life. También lanzó una nueva canción digital titulada Dirty Little Virus, sobre la pandemia de COVID-19. Ese año, también colaboró conMorrissey en su álbum Bonfire of Teenangers.
Frenzy fue lanzada a finales de 2022 como parte del vigésimo álbum de estudio de Pop,Every Loser. El álbum fue producido por Andrew Watt, y tras su lanzamiento en enero de 2023, recibió críticas favorables.
Nació el 26 de febrero de 1932 en Kingsland, Arkansas meridional.
La vida allí siempre fue difícil, la Gran Depresión destruyó la economía agrícola de la región y sus padres, Ray y Carrie, tuvieron que hacer milagros para alimentar a sus siete niños.
En 1935, la nueva administración del presidente Franklin D. Roosevelt animó a granjeros del país a que cultivasen en el suelo más fértil de Arkansas del noreste. Por las tardes cuando las tareas ya habían sido realizadas, su madre tocaba la guitarra y la familia entera cantaba himnos y canciones tradicionales.
Johnny obtuvo su primer trabajo no agrícola con 14 años, llevando el agua para las cuadrillas del trabajo. Tras graduarse en el High School de secundaria en 1950, decidió no ir a la universidad. La guerra coreana estaba a punto de estallar por lo que se alistó en la fuerza aérea de los Estados Unidos. Servía a la fuerza aérea en Alemania cuando se compró su primera guitarra.
Con algunos amigos formó una banda, Los Bárbaros para actuar en clubs pequeños alrededor de la base aérea. En 1954 fue contratado por la Sun Records de Sam Phillips, que antes había descubierto a personajes como Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Philips se quedó asombrado con la canción " Hey ", que Crash había escrito cuando volvía a casa de la fuerza aérea.
Cuando Phillips buscaba una balada para " Hey" de Crash, él escribió "Cry,
Con su segunda grabación, "Folsom Prison Blues" triunfó en todo el país. En 1956 "I Walk the Line" vendía un millón de copias. Johnny comenzó a aparecer en Grand Ole Opry en Nashville, la Meca de la música del país. Antes de 1958 había publicado 50 canciones y vendido seis millones de copias.
En 1959 su álbum "Fabulous Johnny Cash" vendió más de un millón de copias, al igual que "Hymns y Songs of Our Soil", y el single "Don't Take Your Guns to Town". Sus conciertos le llevaron a Europa, a Asia y a Australia. Comenzó a aparecer como actor en westerns de la televisión.
En 1960 su single "Ride This Train" obtuvo un disco de oro, al igual que en 1963 "Ring of Fire" o en 1968 "Johnny Cash at Folsom Prison".
Invirtió muchas de sus ganancias en apoyar a asociaciones mentales de la salud, un hogar para los niños autistas, refugios para las mujeres maltratadas, la sociedad americana del cáncer, YWCA, la juventud para Cristo, la vida del campus, y otras sociedades.
Johnny Cash falleció el 12 de septiembre de 2003 en un hospital de Nashville, Tennessee, a causa de la diabetes que padecía.
JOHNNY CASH LIVE AT MONTREUX 1994
Jim Morrison nació el 8 de diciembre de 1943 en Melbourne, Florida.
Familia:
Hijo de Clara Virginia Clarke y del futuro almirante George Stephen Morrison. Tuvo una hermana, Anne Robin, nacida en 1947; y un hermano, Andrew Lee Morrison, que nació en 1948. Tenía antepasados escoceses, irlandeses e ingleses.
Con su padre en la Marina de los Estados Unidos, la familia se mudó a menudo.
En 1949, cuando tenía cuatro años de edad, supuestamente fue testigo de un accidente de coche en el desierto, en la que una familia de nativos americanos resultaron heridos. Se refirió a este incidente en la canción Peace Frog del álbum de 1970 Morrison Hotel, así como en Dawn's Highway y Ghost Song. Morrison declaró que este suceso fue el evento más formativo de su vida, e hizo repetidas referencias a él en sus canciones, poemas y entrevistas.
Estudios:
Cursó estudios en la Universidad Estatal de Florida y después en la escuela fílmica de la U.C.L.A. (Universidad de Los Ángeles).
The Doors:
Abandonó lacarrera para formar una banda de rock junto a Ray Manzarek, a quien había conocido en la universidad. Pensaron en el nombre de The Doors para el grupo. Desde las primeras actuaciones se hizo muy popular.
Poeta:
Poeta de vocación, escribía sobre la muerte recurrentemente. Su poesía tenía influencias de los escritores "malditos": Nietzsche, Rimbaud, Kerouac, Ginsberg... trataba además temas misteriosos y esotéricos.
Problemas legales:
Morrison desarrolló una dependencia del alcohol. En sus actuaciones provocaba el escándalo permanente, borracho y exhibicionista le costó pagarlo con varios arrestos y cancelación de actuaciones. Fue reconocido como improvisador de pasajes de poesía mientras la banda tocaba en vivo.
Fue detenido por agresión a policías y en una ocasión, por intentar masturbarse en público.
Pamela Courson:
En 1971, a la vez que publicaban "L.A. Woman", Morrison se retiró a París con su pareja Pamela Courson, compañera sentimental de muchos años y con la que mantenía una relación tormentosa, con frecuentes fuertes discusiones y períodos de separación.
Muerte:
Fue hallado muerto el 3 de julio de ese mismo año, al parecer, de un ataque cardíaco provocado por una sobredosis de drogas. Nunca se realizó una autopsia oficial.
Está enterrado en el Cementerio Père-Lachaise, de la capital francesa. Su tumba es aún frecuentada como un lugar santo y día a día recibe el homenaje y recuerdo de sus incondicionales fanáticos, cuya tradición más conocida sea, tal vez, la de tomar parte de un trago y echar el resto en la tierra para él.
EL MITO MORRISON
DOCUMENTAL 1989
Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, Michigan, Estados Unidos.
Familia:
Fue el tercero de los seis hijos de Calvin Judkins y Lula Mae Hardaway.
Nació seis semanas antes de tiempo y la atmósfera rica en oxígeno de la incubadora del hospital, le provocó una ceguera permanente.
Cuando tenía cuatro años, su madre dejó a su padre y se trasladó a Detroit con sus hijos cambiándole el apellido a Morris. Wonder conservó este como su apellido legal.
Música:
Empezó a tocar el piano a los cuatro años, a los nueve dominaba también la armónica y la batería; a los trece se reveló como cantante. Se unió a un amigo para cantar en las esquinas y de vez en cuando en fiestas y bailes.
Cantante:
Logró su primer éxito con la canción Fingertips Part 2 (1963) para la
Syreeta Wright. En Music of the Mind (1972) utilizó una nueva técnica de mezcla de sonido que le permitió interpretar la mayor parte de sus acompañamientos instrumentales.
Canciones:
El álbum Talking Book (1972) contiene las canciones You are the Sunshine of My Life y Superstition. Consiguió cinco Grammy por Innervisions (1973) y uno por Songs in the Key of Life (1976) e In Square Circle (1985). Otros álbumes a destacar son Looking Back (1977), Hotter than July (1980) y Characters (1987).
Realiza la banda sonora de la película de Spike Lee Jungle Fever y recibe el premio Grammy a toda una vida. En 1996 lanza Conversation Peace y gana otros dos Grammys. Colabora con Luciano Pavarotti y en la banda sonora de la película de Disney Mulan.
Realizó una gira mundial de la que sacó un doble disco recopilatorio grabado en directo. La lista del 2003 de la revista Rolling Stone con los 500 discos más grandes de toda la historia incluye cuatro de Stevie Wonder.
En 2005 aparece A Time to Love y recibe por parte de la Industry Association of America (RIAA) el certificado de 10 millones de unidades vendidas del doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de Library of Congress (la Biblioteca del Congreso estadounidense). En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, Canzoni stonate.
Premios:
Wonder recibió 25 premios Grammy, además de un premio Grammy Lifetime Achievement Award en 1996.
STEVIE WONDER LIVE AFTER MUSIKLADEN 1974
Joan Báez nació el 9 de enero de 1941 en Staten Island, Nueva York.
Familia:
Hija de Alberto Baez, médico mexicano. El abuelo de Joan, el reverendo Alberto Báez, dejó el catolicismo para convertirse en ministro metodista y se trasladó a los Estados Unidos cuando Alberto tenía dos años. Su madre, Joan Bridge, nacida en Edimburgo, Escocia, fue profesora de literatura, hija de un sacerdote anglicano inglés.
Debido al trabajo de su padre en la UNESCO, la familia se mudó muchas veces residiendo en ciudades de los Estados Unidos, así como en Inglaterra, Francia, Suiza, España, Canadá e Irak.
Joan Báez se involucró muy temprano con una variedad de causas sociales. Aprendió a tocar la guitarra en Boston. Actuó con frecuencia en el Cabo 47 de Cambridge.
Bob Dylan:
Según Bob Dylan, Joan Báez tenía una de las voces más distinguidas en la música. Una voz soprano al servicio del folk-rock y de la onda dyleana de comienzo de los 60 en el Greenwich Village newyorkino.
Después de comenzar en Boston, tomó el Newport Folk Festival de 1959 por asalto, con sus interpretaciones vibrantes de material tradicional. Joan Báez interpretó muchas de sus canciones como "Farewell Angelina" y también hizo trabajos con otros compositores como Phil Ochos, Tim Hardin y Donovan.
Canción protesta:
A últimos de los 60 Joan Báez escribía sus propias composiciones. Entre 1963 y 1965 vivió con Bob Dylan y se los consideró el Rey y la Reina de la canción protesta. Dylan refleja su relación en 'Visions of Johana' y Baez, diez años después, en su álbum Diamonds and Rust.
No Violencia:
Luchó por los derechos civiles en el Movimiento Americano contra la guerra del Vietnam, a través de sus canciones y fundando Humanitas, organización internacional defensora de los derechos humanos, y del Instituto para el Estudio de la No-Violencia (1965).
En 1976 grabó el que se considera su mejor trabajo: Gulf Winds con material totalmente suyo. En los 80 y 90, mantuvo su activismo y también sufrió depresión por lo que tuvo que someterse a terapia.
Halló un nuevo público entre los jóvenes europeos de izquierdas. A mitad de los 90, empezó a experimentar con ritmos y sonidos africanos y lanza una recopilación de sus éxitos en 1996.
En el año 2008 aparece un nuevo disco suyo: Day After Tomorrow.
El 4 de abril de 2017, a través de Facebook lanza su canción Nasty Man, una canción de protesta contra el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump.
Escribió dos autobiografías, Daybreak (1968) y And a Voice to Sing With (1987).
En 2009 se estrenó en el Festival de Cine de Toronto, Canadá, un documental sobre su vida titulado How Sweet The Sound.
Parejas e hijos:
Su primer novio fue Michael New, a quien conoció en la universidad. En 1979, le inspiró su canción "Michael".
Baez conoció a Bob Dylan en 1961 en Gerde Folk City en la ciudad de Nueva York. Por entonces ella ya había lanzado su álbum de debut y se la consideraba como la "Reina de Folk". Al principio, Dylan estaba más interesado en su hermana menor, Mimi, pero después de mantener relaciones esporádicas durante casi dos años, en 1965, durante una gira de Dylan por el Reino Unido, su relación comenzó a enfriarse.
Casada con David Harris de 1968 a 1973, es madre de Gabriel Harris, nacido en diciembre de 1969.
Baez también mantuvo relaciones con el cofundador de Apple Computer, Steve Jobs durante la década de 1980.
JOAN BÁEZ LIVE IN MONTREUX 1973
"Mi única arma ante todos los medios de comunicación poderosos y la gente que los controla son las canciones"
Van Morrison nació el 31 de agosto de 1945 en el 125 Hyndford Street, de Bloomfield, Belfast, Irlanda del Norte.
Padres:
Hijo único de George Morrison, electricista, y Violet Stitt Morrison, cantante y bailarina en su juventud. Su padre murió en 1998 y su madre en 2016.
De 1950 a 1956, comenzó a ser conocido como Van cuando asistía a la Elmgrove Primary School.
Su progenitor tenía una de las colecciones de discos más grandes de Ulster (adquirida durante su estancia en Detroit, Michigan, en la década de 1950), por lo que creció escuchando a artistas como Jelly Roll Morton, Ray Charles, Lead Belly o Solomon Burke. Con esta colección conoció géneros musicales como el blues de Muddy Waters; el gospel; el jazz de Charlie Parker y el folk de Woody Guthrie.
Su progenitor le compró su primera guitarra acústica cuando tenía 11 años.
Grupos:
Personaje distante, enigmático y de intachable profesionalidad, considerado por muchos como la mejor voz blanca de todos los tiempos. Su primer grupo fueron los Sputniks y con 12 años se unió a Deannie Sands & the Javelins, una banda de skiffle, con 15 entra en The Monarchs, banda con la que debutó en los escenarios a los 16 años, tocando el saxofón.
Fue líder de Them y en 1965, con el grupo publicó Gloria, tema que se convertiría en un clásico. Grabaron un viejo clásico de Joe Williams, Baby Please Don´t Go y un tema propio Here Come The Night. En 1965 abandona la banda y comienza su carrera en solitario.
Solista:
Para el productor Bert Berns grabó varios temas, entre ellos su primer éxito como solista, Brown Eyed Girl. Posteriormente firmó por Warner Brothers y grabó Astral Weeks (1968).
Discos:
Edita su segundo disco en Warner Brothers, Moondance (1970), alcanzando el éxito. Su siguiente trabajo fue His Band and the Street Choir (1970) con el éxito Domino y después aparece Tupelo Honey (1971) con otro single destacado Wild Night.
Graba con un aire soul Saint Dominic's Preview (1972) y Hard Nose The Highway (julio 1973). Después aparece su doble álbum en directo It's Too Late to Stop Now (1974) y Astral Weeks en Veedon Fleece (1974). En 1977 se lanza A Period of Transition, un disco de R&B, y Wavelength (1978).
Con Into the Music (1979) regresa a sus estilos iniciales y Common One (1980) hace referencia a poetas ingleses. Grabó Beautiful Vision (1982) e Inarticulate Speech of the Heart (1983) y en 1984 firma con Polygram/Mercury.
Colabora con Los Chieftains en el álbum Irish Heartbeat (1988) y con Cliff Richard en Avalon Sunset (1989). The Best of Van Morrison (1990), consigue varios discos de oro en todo el mundo.
Dejó de ser un artista de culto tras la irrupción en el mercado de Back on top, su primera grabación en el sello Virgin. Después, y con You Win Again (2000), colabora con la hermana de Jerry Lee Lewis, Linda Gail. Además trabajó con grandes artistas como Bob Dylan, The Band, John Lee Hooker, Tom Jones y Ray Charles entre otros.
En octubre de 2003, Van Morrison firma con la prestigiosa compañía Blue Note, especializada en jazz y blues, y publica con ella su nuevo disco What's Wrong With This Picture con siete composiciones suyas, una versión del tema de Lightin Hopkins Stop Drinking, que en su día ya popularizó Louis Armstrong, y una adaptación de un tema tradicional de jazz de Nueva Orleans, St James Infirmary.
En 2005 se pone a la venta su álbum Magic Time, y el 7 de marzo de 2006, se presenta Pay the Devil. En 2009 publicó Keep It Simple. Lanzó su álbum de estudio número 34, Born to Sing: No Plan B el 2 de octubre de 2012, con Blue Note Records. El álbum fue grabado en Belfast. Su primer sencillo fue Open the Door (To Your Heart) fue estrenado el 24 de agosto de 2012. El álbum de estudio número 35 de Morrison, fue Duets: Re-working the Catalogue, puesto a la venta el 24 de marzo 2015 por RCA.
El 30 de septiembre de 2016, presentó Keep Me Singing, su 36º álbum de estudio. A continuación, realizó una gira por Estados Unidos y Reino Unido. El álbum Roll with the Punches, fue lanzado el 22 de septiembre de 2017, y Versatile el 1 de diciembre del mismo año. Su siguiente trabajo de estudio fue You're Driving Me Crazy, puesto a la venta el 27 de abril de 2018 con una mezcla de clásicos del blues y el jazz que incluye ocho canciones de Morrison.
En marzo de 2021, Morrison anunció su álbum número 42, Latest Record Project, Volume 1, lanzado por Exile Productions y BMG el 7 de mayo.
En 2022, su canción Down to Joy para la película Belfast fueron nominados al Premio a la Mejor Canción Original en la 94ª edición de los Premios de la Academia.
VAN MORRISON LIVE AT ST. LUKE'S 2008
Jerry Lee Lewis nació el 29 de septiembre de 1935 en Ferriday, Lousiana, en el seno de una familia de origen muy humilde.
Padres:
Hijo de Elmo y Mamie Lewis. Fue influenciado por la enorme colección que tenía su padre de música country. A los siete años, visitó la casa de sus tías, donde existía un piano, que Jerry Lee empezó a tocar y a fascinarse por los sonidos que emitía. Sus padres con grandes esfuerzos consiguen comprarle un viejo piano de tercera mano (hipotecaron su casa).
Pianista:
A los diez años domina el instrumento a la perfección, incluso los sonidos del Blues, un género que descubrió en el Haney's Big House, un local de alterne solo para negros, propiedad de uno de sus tíos.
Jerry Lee se hacía acompañar de sus primos Jimmy Lee Swagart y Mickey Guilley, que también quedaban pasmados por la música que escuchaban escondidos detrás de las barras de los bares, o sobre los ventanales de los juke joints. De los tres, Swagart era el religioso, y repetía cada día a sus primos que visitar esos lugares "los iba a condenar por el resto de su vida, ya que se escucha la música del demonio".
En 1949, realiza su primera actuación en directo, en la inauguración de un concesionario de la Ford en la vecina ciudad de Natchez por lo que cobra 9 dólares.
Seminario:
Su madre tiene miedo de que su hijo pueda introducirse en el sórdido mundo del espectáculo, por lo que le ingresa en un seminario religioso en Waxhatchie (Texas). Su estancia acaba en el centro el día en que, en medio de un servicio religioso, toca el teclado del órgano con una versión boogie-woogie del clásico himno My God is Real.
Bígamo:
En 1951 —con solo dieciséis años— se casa con Dorothy Barton, la hija de un predicador. En 1952 deja embarazada a Jane Mitcham, y —amenazado de muerte por sus hermanos— se casa también con ella. Con diecisiete años... ya es bígamo. En 1953, Jane da a luz a su primer hijo: Jerry Lee, Jr. Poco después trabaja como vendedor de máquinas de coser.
En 1956, se traslada a Memphis. Jack Clement (la mano derecha de Sam Phillips) accede a grabar una cinta de prueba. Uno de los temas era Crazy Arms. Cuando Phillips volvió de sus vacaciones, y escuchó la cinta, su reacción fue inmediata: "¿De dónde venía ese tipo? ¡Que venga ahora mismo!".
Discos y canciones:
El primer disco de Jerry Lee Lewis en Sun Records salió en diciembre de 1956 con los temas End of the Road y Crazy Arms.
Jerry Lee mientras tanto trabaja como músico de estudio o en concierto, para otros artistas del sello, como Carl Perkins o Johnny Cash.
En febrero de 1957, graba Whole Lotta Shakin' Going On. El 28 de julio actúa en el show televisivo de Steve Allen, uno de los más vistos en todo el país. Pese a que en muchos estados, el disco ya había sido prohibido por obsceno, la bomba explota. Pocas semanas después, el disco alcanza la primera posición en las listas Country y Blues, y la segunda en las listas Pop.
En agosto de 1957 es contratado para actuar en la película Jamboree, en la que también aparecen Carl Perkins y Fats Domino.
Marilyn Monroe interpreta el papel de Sugar Kane, una cantante a la que le gustan los hombres que tocan el saxofón y llevan gafas. Cuando conoce a un magnate del petróleo cree haber encontrado al amor de su vida, sin embargo, descubre que se va a casar con otra. Al final encontrará el amor donde menos lo piensa.
Norma Jean Mortensen, más conocida como Norma Jeane Baker o Marilyn Monroe, nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles. Su belleza explosiva y su talento consiguieron conquistar al gran público. La combinación de su mirada ingenua con su gran atractivo sexual fueron una de sus bazas más importantes.
Norma Jean era hija de Gladis Monroe una trabajadora de los estudios RKO de cine. Su infancia estuvo marcada por los escasos recursos económicos de la madre y sus problemas mentales. La madre de Marilyn decidió enviar a su hija a vivir con una familia adoptiva, sin embargo esto no fue posible y la niña acabó en un orfanato hasta 1935. En 1942 y con tan sólo 16 años se casa con Jimmy Dougherty, un joven trabajador en una planta de ensamblaje de aeronaves. Cuatro años después la pareja se divorció.
En 1944 comienza su carrera como modelo al posar para unas fotografías para la guerra. Un año después ya era muy popular y aparecía en numerosas revistas de la época. En 1946 comienza a interesarse por el mundo de la interpretación. Su gran oportunidad en el cine le llega ese mismo año al firmar un contrato con el estudio 20th Century Fox. En este momento Norma Jean pasó a Marilyn Monroe, el apellido Monroe será un homenaje a su madre y el nombre Marilyn por una conocida actriz llamada Marilyn Millar. Su primer papel en el cine fue en 1947 en la película The Shocking Miss Pilgrim. A esté título le siguieron otros como Asphalt Jungla de 1950. Esta serie de pequeños papeles que le sirvieron para darse a conocer.
En 1954 vuelve a casarse con la popular estrella del baseball Joe DiMaggio. Este matrimonio sólo duró nueve meses. En 1956 decide estudiar artes escénicas con el maestro Lee Strasberg, que era director del famoso Actor’s Studio de Nueva York. En ese mismo año Marilyn formó la Marilyn Monroe Productions junto al fotógrafo Milton Green La productora realizó proyectos como Bus Stop de 1956, ThePrince and the Showgirl de 1957, títulos que hicieron de ella una estrella con luz propia. En 1956 vuelve a casarse con el escritor Arthur Miller. Cinco años después el matrimonio se rompería. En 1959 participa en la película de Billy Wilder Con faldas y a lo loco. Los problemas personales que tenía Marilyn Monroe se trasladaron al rodaje de la película.
La actriz llegaba con dos o tres horas de retraso a los rodajes, o incluso no aparecía. A pesar de ello Billy Wilder siempre consideró que a pesar de todos los problemas, el talento de Marilyn Monroe borraba todos los malos momentos.
Marilyn trabajó en una treintena de películas dejando Something's Got to Give inacabada por su inesperada muerte. Títulos como Con faldas y a lo loco de 1959, Los caballeros las prefieren rubias de 1953 o Cómo casarse con un millonario de 1953 son algunos de los títulos más recordados de la estrella.
En 1962 fue nombrada la estrella más popular del mundo (Word’s Most Popular Star) con la entrega del Globo de Oro. El 4 de agosto de 1962 Marilyn Monroe moría en su casa de Brentwood, California. Había nacido un mito para la historia del cine.
Nacida en Chicago en 1946, creció Filadelfia y en Woodbury, Nueva Jersey, oyendo a James Brown, los Doors y Bob Dylan. Fracasó en la escuela y en la universidad. En 1967, se trasladó a Nueva York y se hizo amiga de Robetrt Mapplethorpe, Sam Shepard y de un guitarrista, dependiente de una tienda de discos y crítico de rock, llamado Lenny Kaye. Ambos compartían la devoción por la poesía, la vida bohemia y el primitivo rock and roll. En 1971, actuaron juntos en una iglesia. En 1974, se autoeditaron un disco Hey Joe / Piss Factory. Por entonces la Smith capitaneaba ya un grupo de rock completo, crudo, iconoclasta y concienzudamente enraizado en el rock de garaje de los años 60 y en la experimentación free. Como quien no quiere la cosa, consiguieron grabar un álbum y convertirse en objetivo de promoción y llegaron al numero 50 de las listas sin ninguna promoción radiofónica.
Extraña, intensa y andrógina despertaba pasiones en los corazones de los críticos, los fans y los mitos del rock and roll que ella misma idolatraba. Acabó casándose con el guitarrista de MC5, Fred "Sonic" Smith. Desde 1980 hasta 1988, se dedicó a cuidar de él, de su casa y de sus hijos. En 1988, grabó en colaboración con Sonic el álbum Dream of Life, para volver enseguida al silencio y a la vida familiar. No fue hasta que, en 1994, y con un mes de diferencia, fallecieron, su marido y su hermano, que la Smith no retomó su carrera en serio.
Pionera del punk y de la poesía roquera, la Smith creo un hueco dentro del rock and roll para las mujeres que hasta entonces no lo tenían. Su influencia es enorme y ha sido imitada hasta la saciedad pero como todos los grandes ha sido, es y seguira siendo inimitable.
En 2004 y tras cuatro años de la publicación de su anterior disco de estudio vuelve con Trampin', noveno de la artista y primero para Columbia Records.
PATTI SMITH LIVE IN SPAIN 1996
Nació el 23 de abril de 1936 en Vernon, Texas.
Su padre le enseñó a tocar la guitarra cuando tenía seis años.
En el colegio formó su primer grupo country, The Wink Westerners, y conducía su propio programa de radio en la estación KVWC en Vernon, Texas.
Se inició en el mundo del country para más tarde adentrarse en el rockabilly. Tras formar un nuevo grupo, los Teen Kings, su amistad con Buddy Holly, otro cantante tejano, le permitió grabar en 1956 su primer disco, que contenía la canción "Ooby Dooby" con Sun Records (1956), su primer éxito. Su talento como compositor lo llevó a volcarse a la escritura de canciones de texturas más pop sin perder sus raíces más rock & roll.
Intérprete con una voz matizada y poderosa, acompañada de una imagen que mantuvo a pesar del paso de. los años: ternos blancos o negros y gafas oscuras. La canción "Claudette" (1958) un tema de los Everly Brothers fue el inicio de una cadena de éxitos durante los años sesenta tales como "Only the Lonely" (1960) "Crying" y "Pretty Woman".
En 1979, intentó retornar a la escena discográfica con un álbum con el sello Elektra. El resultado de este comeback fue un Grammy que recibió a comienzos de los '80s, el primero de toda su carrera. Cuando estaba casi en el olvido, conoció gracias al cine una nueva e inesperada etapa de gloria. El primero en acordarse de él fue David Lynch, quien en "Terciopelo Azul" (1986) utilizó "In Dreams" y posteriormente el gran éxito protagonizado por Richard Gere y Julia Roberts titulado 'Pretty Woman' (1990), que contenía su tema homónimo provocó la resucitación de la carrera.
Dos años antes formó junto a Bob Dylan,Tom Petty, George Harrison y Jeff Lynne el grupo Traveling Willburys con el que grabaría el primero (de los dos) discos de la banda, "Traveling Willburys, Vol. 1" (1988).
Perdió a su mujer Claudette en 1966 en un accidente de moto que conducía el propio Orbison después de presenciar una carrera. En 1968, dos de sus tres hijos -Roy, de 13 años, y Tony, de ocho- fallecieron al incendiarse su casa de Tennessee, lo que afectó decisivamente a su trayectoria musical.
Roy Orbison falleció de un ataque al corazón el 6 de diciembre de 1988 en Hendersonville, un suburbio de Nashville, en el Estado de Tennessee, donde pasaba unos días visitando a su madre.
ROY ORBISON & FRIENDS 1988
Tina Turner nació el 26 de noviembre de 1938 en Nutbush, Tenesse, Estados Unidos.
Familia:
Hija de Zelma Currie y de Floyd Richard Bullock. Tuvo una hermana mayor, Ruby Aillene, de la que se separó cuando sus padres se trasladaron a Knoxville.
Se fue a vivir con sus abuelos paternos, estrictos religiosos, diáconos de la Woodlawn Missionary Baptist Church, ubicada en Woodlawn Road.
Finalizada la II Guerra Mundial, se reunió con sus padres y se trasladaron a Knoxville, Tennessee. Dos años después, la familia regresó a Nutbush, donde asistió a la Escuela Primaria Flagg Grove de primero a octavo grado.
Cantó en el coro de la iglesia Nutbush's Spring Hill Baptist. Cuando tenía once años, su madre abandonó a Floyd Bullock, y a los trece, su padre se casó nuevamente y se trasladó a Detroit. Ella y su hermana residieron junto a su abuela Georgeanna en Brownsville.
Estudios:
Fue empleada doméstica de la familia Henderson y cuando tenía dieciséis años, su abuela murió de repente. Tras el funeral fue a vivir con su madre a St. Louis, Missouri, donde se reunió con su hermana. Allí se graduó en la Sumner High School en 1958. Después trabajó como auxiliar de enfermería en el Hospital Barnes-Jewish esperando convertirse en enfermera.
Ike Turner:
Junto a su hermana comenzaron a frecuentar clubes nocturnos en St. Louis, y en el Club de Manhattan, vieron actuar por primera vez a Ike Turner y su banda, Kings of Rhythm. Una noche, cuando contaba dieciocho años, el batería de los Kings of Rhythm, Gene Washington, le dio un micrófono durante una pausa y tras oírla cantar Ike le permitió actuar convirtiéndose en vocalista invitada desde entonces.
Fue a finales de los 50 cuando inicia su carrera de cantante como integrante del grupo que dirigía Ike Turner, con quien contrajo matrimonio. Desde el primer momento es quien atrae la atención del público con movimientos y su forma de interpretar. En el año 1966 llegaron a ser los teloneros de los Rolling Stones.
Algunos de sus mayores triunfos por entonces fueron Proud Mary, en 1971 o Nutbush City Limits, en 1973. Tina e Ike se separan, debido a las continuas palizas y humillaciones a las que la sometía.
En 1975 reapareció como solista en la obra cinematográfica de The Who, "Tommy", encarnando a la reina del ácido.
En el año 1981 vuelve a ser telonera de los Rolling y graba Ball of Confusion. También actúa como telonera de Rod Stewart en su concierto "L.A. Forum".
Canciones:
Es contratada por EMI y comienza su etapa más brillante. En 1984 graba su mejor disco, Private Dancer, con temas como Whats Love Got To Do With It, Better Be Good To Me o el propio Private Dancer. En 1985 vuelve a las listas de éxitos con el tema de la película "Mad Max", Beyond Thunderdome y posteriormente con We dont Need Another Hero.
En 1996 su nuevo disco, Break Every Rule, producido por Mark Knopfler, se convierte en un nuevo éxito, al igual que la recopilación Simply the Best. También suyo fue el tema de la película "Goldeneye", una de las aventuras de James Bond.
Reside en Zurich (Suiza) y con Twenty Four Seven (el título se refiere a las 24 horas sobre 24 los siete días de la semana que supone la creación, grabación y promoción de un disco), regresó a la escena musical. El primer single When The Heartche Is Over, producido por Brian Rawlings y Mark Taylor, incluye varias remezclas de baile. El vídeo se graba en Los Angeles con el director americano Paul Boyd. Con más de un millón de discos vendidos en todo el mundo de Twenty Four Seven, fue disco de Platino en Suiza, doble disco de Oro en UK, disco Platino en Dinamarca y más de 75.000 copias en España.
Retirada:
En 2000 anunció en su última gira que se retiraba para dedicarse a su vida privada, pero entretanto vuelve a publicar un nuevo álbum de grandes éxitos, All The Best!, en el que se incluyen tres temas inéditos, y la película The Goddess (La Diosa), dirigida por Ismail Merchant y James Ivory.
En 2008 abandonó su retiro para realizar su gira internacional Tina!: 50th Anniversary que duró hasta 2009 y fue uno de los más rentables de la historia del espectáculo.
Reconocimientos:
Rolling Stone la clasificó entre los 100 mejores artistas de todos los tiempos y también entre los 100 mejores cantantes.
Recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y otra en el Paseo de la Fama de St. Louis.
Fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll con Ike Turner en 1991, y en 2005, recibió el Kennedy Center Honors.
TINA TURNER LIVE IN WEMBLEY 2000
The Temptations (Detroit, 1961), grupo de música soul, rhythm and blues y pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política. Fue el más importante grupo vocal masculino de los años sesenta.
Estuvo inicialmente formado por cinco cantantes a partir de la fusión de dos grupos de Detroit, the Primes y the Distants. Otis Williams, Elbridge (conocido como El, o Al) Bryant y Melvin Franklin eran ya unos veteranos de la escena musical de Detroit cuando formaron the Distants, que en 1959 grabarían el sencillo "Come On" para el sello local Northern. Por las mismas fechas, the Primes, trío formado por Eddie Kendricks, Paul Williams y Kell Osborne, se trasladaron a Detroit desde su originaria Alabama. Rápidamente, obtuvieron éxito (el mánager crearía una versión en femenino, the Primettes, del que más tarde surgirían the Supremes, con Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard).
En 1961, the Primes se disolvió pero no sin que antes Otis Williams les pudiese ver en directo, quedando impresionado tanto por las cualidades vocales de Kendricks como por las habilidades coreográficas de Paul Williams. En poco tiempo, Otis Williams, Paul Williams, Bryant, Franklin y Kendricks se habían unido formando the Elgins; tras cambiar el nombre a the Temptations, firmaron con la compañía Miracle, subsidiaria de Motown, con la que realizaron unos cuantos sencillos en los meses siguientes. Solo uno, en 1962, "Dream Come True", logró algún éxito comercial, tras lo que Bryant abandonó el grupo por razones no claras. En 1964 volvieron a grabar con David Ruffin en el lugar de Bryant, contando con la colaboración del compositor y productor Smokey Robinson. El éxito fue inmediato con "The Way You Do the Things You Do", que sería el primero de los 37 Top Ten hits de su carrera. En 1965 presentaron la que sería su canción más conocida, "My Girl", un número uno del pop y un éxito del R&B; otros éxitos de ese años fueron "It's Growing", "Since I Lost My Baby", "Don't Look Back" y "My Baby".
Nació el 16 de septiembre de 1925 en una plantación algodonera de Itta Bena, Indianola, Mississippi, Estados Unidos.
Hijo de los aparceros Albert Lee King y Nora Ella Pully.
Cuando tenía cuatro años de edad, su madre dejó a su padre por otro hombre y fue criado por su abuela materna, Elnora Farr, en Kilmichael, Mississippi. Su padre se desligó pronto de él y su madre falleció cuando tenía nueve años.
Su madre le prohibía cantar blues, que ella llamaba la música del diablo, a pesar de que su primo era el reconocido músico de blues, Bukka White.
Su primera experiencia musical le llegó a los doce años cuando formó parte de un grupo vocal de gospel y el predicador le enseñó sus primeros acordes con una guitarra; por entonces, recogía algodón en una granja de la ciudad de Lexington. Luego, lo hizo en Indianola.
A los catorce compra su primera guitarra por quince dólares y empezó a cantar en otros grupos de gospel o en solitario por los pueblos. En 1940 fallece su abuela y pasa a vivir con la nueva familia de su padre.
En aquella época recorría en bicicleta los 80 Km. que le separaban de Kilmichael, donde acudía a tocar con su grupo. Tras duras jornadas laborales como conductor de un tractor, dedicaba las noches a tocar blues en las esquinas de la calle principal, ganando más en una noche que en una semana de trabajo en el campo algodonero. Fue alistado en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue licenciado debido a que conducía un tractor, una ocupación esencial durante la guerra. En 1946, tras romper un tractor y temer la enfurecida reacción de su patrón, se traslada a Memphis con una guitarra y dos dólares y medio en el bolsillo. Allí es acogido por su primo Bukka White, que le introduce definitivamente en el blues. A finales de los cuarenta y principios de los cincuenta desarrolló un estilo único: mezclaba el sonido rural del campo con la vitalidad eléctrica de la ciudad.
Conoció a Sonny Boy Williamson II, que le dio un espacio como DJ en su programa de radio. Fue ahí donde comenzaron a llamarle 'Blues Boy', nombre que él terminó abreviando a B.B. En 1949 nace la leyenda de Lucille, su famosa guitarra Gibson ES-355; el nombre pertenece a una mujer por la que dos hombres se pelearon durante una de sus actuaciones en Arkansas y que provocaron un incendio, en el que que arriesgó su vida al volver a entrar al local para recuperar su guitarra.
Desde 1950 comenzó a realizar grabaciones y en 1965 editó Live at the Regal, su primer disco de blues que consiguió situar en las listas de ventas de música pop. Tras firmar un contrato con los hermanos Bihari, se trasladó a California, donde organizó varias bandas introduciendo la sección de viento que daría forma a los "riffs" y utilizando saxos para los blues. En 1953 se trasladó a Houston, donde tocó con la banda de Bill Harvey hasta que comenzó a liderarla por problemas de salud de aquél. Fue entonces cuando inició su serie de interminables giras por todo el país: 300 actuaciones al año que se prolongaban durante cuatro o cinco horas.
En 1958, su autobús quedó destrozado tras chocar con un camión de butano en Texas. La compañía aseguradora del autobús no se hizo responsable al vencer su seguro dos días antes dejándolo con una deuda de millones de dólares que tardó años en saldar.
Su popularidad se extiende hasta los adolescentes blancos de la ciudad y entre sus fans se encuentra un joven Elvis Presley que a menudo se escabulle de noche de su casa para verle tocar. En 1955 ya es una figura nacional y actúa por todo el país. Algunos de sus trabajos más destacados son: Confessin' the Blues (1966), Indianola Mississippi Seeds (1970) -utilizando como músicos a Joe Walsh, Leon Russell y Carole King- y Six Silver Strings (1985).
Su virtud con la guitarra le valió el apodo del 'rey del blues' y el renombre de 'uno de los tres reyes de la guitarra blues' junto a Albert King y Freddie King. Recibió varios Premios Grammy por 'The Thrill is Gone' (1970) y los elepés There Must Be a Better World Somewhere (1981), My Guitar Sings the Blues (1986), Live at San Quentin (1990), Live at the Apollo (1991) y Blues Summit (1992). En 1987 le otorgaron el Premio Grammy por su dedicación a la música e ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
En 2000, graba Riding with the Kingse junto al guitarrista Eric Clapton. El 29 de marzo de 2006, con 80 años, tocó en el Sheffield's Hallam Arena dando inicio a su gira por Europa junto a Gary Moore. La gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena. En julio, regresa a Europa para despedirse en Suiza de sus seguidores. Actúa el 2 y 3 de julio en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. En su última actuación en Montreux, en el Salón Stravinski, tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006. En noviembre y diciembre, tocó seis veces en Brasil.
A pesar de que su música se utilizó en comerciales para Wendy y McDonald, fue vegetariano en sus últimos años. Se convirtió en piloto con licencia en 1963 y a menudo volaba hacia los sitios donde daba sus conciertos. A los 70 años dejó de volar a petición de su familia y allegados.
Estuvo casado con Martha Lee Denton (1946-1952) y con Sue Carol Hall (1958-1966). Cuando se casó con su segunda esposa, el reverendo fue CL Franklin, padre de la cantante Aretha Franklin. Fue padre de 15 hijos con diversas mujeres y tuvo más de 50 nietos. Una de sus hijas, Patty, estuvo entre los reclusos durante su concierto en un centro correccional de Gainesville, Florida.
B.B. King falleció mientras dormía, a las 9:40 pm hora local del jueves 14 de mayo de 2015, en Las Vegas, EE UU, a la edad de 89 años. Llevaba 20 años luchando contra una diabetes de tipo II. A pesar de sus problemas de salud, se mantuvo en activo dando unos cientos de conciertos al año hasta octubre de 2014, cuando se sintió enfermo durante una actuación. No volvió a actuar.
Gran guitarrista y músico canadiense. El hombre del corazón de oro, Heart of gold y que fue nominado al Oscar por su gran Philadelphia, en la película del mismo nombre de Jonathan Demme, en la que para algunos superó al tema ganador, el Streets of Philadelphia de Springsteen y para la misma película.
Tras una breve etapa como solista folk, Neil Young fundó la banda de rock Buffalo Springfield junto a Stephen Stills en California (1967). A pesar del éxito, hubo contínuas tensiones que motivaron la salida de Young. Mientras tocaba junto a un grupo local llamado The Rockets (que luego cambiaría su nombre a Crazy Horse - mítico grupo de acompañamiento de Neil Young hasta la actualidad) también grababa y giraba con David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, formando intermitentemente parte del cuarteto Crosby, Stills, Nash and Young.(1969)
Uno de sus primeros discos en solitario After The Goldrush y su asociación con C,S&N le sitúan en el mapa musical con cierta rapidez, en parte gracias al éxito "Only Love Can Break Your Heart" contenido en ese álbum.
Dos años más tarde Young decide dejar la formación para grabar de nuevo en solitario lo que sería su álbum de consagración. Harvest Moon alcanza el nº1 en Estados Unidos gracias a un estilo rock-country melódico. La carrera de Young siempre se ha caracterizado por saltar de extremo a extremo y cada éxito apabullante ha sido contrarrestado por un disco de un estilo totalmente opuesto al éxitoso álbum que le precedía. Tras varios años en el ostracismo por unos discos menores, Neil Young recobra vida tras convertirse en inspirador del grunge de Seattle.
En 1991 sus teloneros Sonic Youth le convencen para editar una versión especial del disco en directo Weld. El triple disco Arc-Weld, cuyo tercer disco incluye exclusivamente los solos de guitarra de Neil Young distorsionados hasta un extremo, se convierte en la referencia de una nueva corriente musical. Pronto Sonic Youth, Nirvana y Pearl jam veneran Neil Young como el inventor de Grunge y le sitúan de nuevo en la cima. Incluso Pearl Jam grabó de forma anónima y oculta el disco Mirror Ball con Young, para eludir problemas con su propia compañía discográfica.
Finalmente, Neil Young se ha convertido en un icono, uno de los músicos cuya integridad y credibilidad está fuera de toda duda - una crecibilidad gana a pulso a lo lorgo de 35 años de trabajo, sin la menor concesión comercial.
Cream (1966 – 1968) banda de rock progresivo. Fue creada en la capital inglesa de Londres. Eric Clapton, uno de los mejores guitarristas de blues en el Reino Unido decidió abandonar la agrupación John Mayall & the Bluesbreakers con el fin de crear una nueva banda. Así que se reunió con Ginger Baker, batería de The Graham Bond Organisation, para plantearle el proyecto que tenía en mente. Baker aceptó pero le pidió que integrara a la nueva banda a Jack Bruce, su compañero en The Graham Bond Organisation, como bajista. Integrado el trio, eligieron el nombre de The Cream, pero a partir de lanzamiento de su primer trabajo se le conoció solo como Cream.
La banda realizó su debut oficial en el Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival a mitad de 1966. Como no tenían canciones propias interpretaron temas clásicos de blues. En octubre, la banda invito a Jimi Hendrix para que actuara en un concierto. Posteriormente, grabaron su álbum: Fresh Cream, tuvo buena acogida. El disco escaló hasta el puesto número seis en la lista de Reino Unido; en Estados Unidos no tuvo la misma suerte pero consiguió un puesto rescatable en las listas musicales. En el álbum hay temas compuestos por Baker, Bruce y su esposa, Janet Godfrey. Por ejemplo: I Feel Free. Del álbum impactó a la critica la pista que cierra el álbum Toad, un tema instrumental que incluye un solo de batería de Baker.
Este álbum hizo que Cream fuera catalogado como una banda de “rock progresivo”. Aunque el más conocido del trio era Clapton, todos los integrantes de la banda fueron vistos como maestros de sus respectivos instrumentos. Su fama fue tal que los fanáticos más desenfrenados escribían sus nombres y el de la banda por las calles de Londres. Clapton era el más aclamado, su aporte a la agrupación fue inmenso, incluyó los estilos como el rhythm and blues, especialmente siguió la influencia de los guitarristas de blues y de rock’n’roll, tales como Chuck Berry, B. B. King y Buddy Guy.
Algo que fortalecía y particularizaba a la banda Cream era su formación en base a la amistad, así que todos se servían mancomunadamente con el fin de resaltar el virtuosismo de cada uno. Cada uno tenía mucho por ofrecer al grupo musicalmente: Baker con su conocimiento en el jazz; Bruce en la música clásica y Clapton con sus grandes conocimiento sobre el blues. Cream consiguió un contrato con Robert Stigwood, director de la recién fundada discografica Reaction. Realizaron un concierto en el Twisted Wheel de Manchester. Desde aquel momento, Cream mostró una entidad musical. A la banda no le interesaba no seguir por completo las leyes del mercado, que solicitaba canciones pop-rock estructuradas en una duración de tres o cuatro minutos.
Lo que hizo Cream fue admirable, derribó completamente la convencionalidad de este formato. Cada integrante decidió tomarse su tiempo en cada tema para demostrar sus habilidades instrumentales. Tiempo después esta costumbre se evidenció en los conciertos de otras bandas. En su canción Sweetwine, Clapton usaba el feedback y una fuerte distorsión de la guitarra, mucho antes de que este efecto se pusiera de moda. La banda introdujo largos fragmentos instrumentales en I’m so glad y Spoonful. En Toad se incluía un solo de batería nunca antes escuchado en el escena del rock.
Cream viajó a Norteamérica, para realizar diez actuaciones en el programa televisivo Murray The K Show. Los integrantes aprovecharon para visitar los estudios Atlantic de Nueva York, donde empezaron a trabajar en su segundo álbum. Cream inició una gira por Gran Bretaña, y lanzó su tercer single Strange brew, que rápidamente se ubicó entre el Top 20. En el mismo año volvieron a los Estados Unidos, esta vez a San Francisco, a uno de los míticos locales de Bill Graham. Los músicos de Cream no estaban preparados para la intensidad del entusiasmo generado por sus actuaciones: definitivamente estaban en la cumbre de su carrera.
Se convirtieron en iconos de la contracultura hippie y psicodélica. Jack Bruce había formado un equipo creativo con Martin Sharp a la cabeza para crear las portadas de sus álbumes, especialmente el álbum Disraeli gears, publicado en noviembre de 1967. Dicha portada quedó como un paradigma del arte psicodélico, con su alucinante estilo espacial. Además el trabajo representó un sustancial avance respecto al blues.
El grupo continuaba en lo más alto, sus presentaciones eran diarias, pero por tanta presión, empezaron a perder el entusiasmo de tocar juntos. Se perdió lo que caracterizaba al grupo, y sin eso solo quedaron tres personalidades egocéntricas que competían por obtener un espacio mayor. Luego de que la agrupación volvió de Inglaterra se anunció su separación a finales de año. Antes Cream publicó Wheels of fire, el primer álbum doble de la historia del rock, este incluía un disco de estudio y otro en directo.
En este disco cada uno, como era costumbre, mostró sus habilidades. Alcanzó el primer puesto en Estados Unidos y el tercero en las listas inglesas. Su última aparición se dio el 26 de noviembre de 1968 en el Albert Hall de Londres. Aunque se separon en 1969, se publicó Best of Cream. A pesar de la corta existencia de la banda, lograron resultados nunca antes esperados.
The Allman Brothers Band (1969 – 2014) la banda de rock sureño se fundó en Jacksonville, Florida, Estados Unidos. El dúo de los hermanos Duane y Gregg Allman, formó el proyecto Escorts, que luego se convirtió en The Allman Joys. Gregg conoció a un amigo afroamericano que le introdujo a la música soul y al R&B, su amistad fue muy importante porque la dupla incorporaría este estilo a su sonido. En 1967, mientras la banda se encontraba en St. Louis, fue descubierta por un ejecutivo musical de Los Ángeles. Motivados con los halagos del personaje decidieron empacar maletas y dirigirse a esta ciudad tras cambiar su nombre por Hour Glass. Los hermanos grabaron dos discos con la discográfica Liberty Records.
Pero realmente no tuvieron éxito. Duane decidió tocar puertas en Muscle Shoals, Alabama para trabajar como músico de sesión, mientras que Gregg se vinculó con las obligaciones contractuales de Liberty. Un año después, los dos coincidieron en Miami para participar en una maqueta del grupo 31st of February. En los estudios FAME, Duane Allman escaló hasta ser el principal guitarrista de sesión y participó con artistas como Aretha Franklin o King Curtis.
Luego de un lograr un éxito con la versión de Hey Jude de The Beatles junto a Wilson Pickett, el guitarrista firmó con FAME un contrato de cinco años y formó un nuevo proyecto musical que incluía a Johnny Sandlin y Paul Hornsby, Jai Johanny «Jaimoe» Johanson, Berry Oakley, luego de varios trabajos en estudio el propietario de FAME, Rick Hall, ofreció las pistas que ya había grabado y su contrato a Walden y a Jerry Wexler miembros de Atlantic Records.14 Walden tenía la intención de convertir a la banda en la pieza central de su discográfica, Capricorn Records.
Reese Wynans, miembro de Second Coming junto a Oakley y Betts, también ingresó en el proyecto. El grupo, todavía sin identidad, empezó a realizar actuaciones gratuitas en el parque Willow Branch ubicado en Jacksonville. Duane buscó a su hermano para que hiciera parte del grupo como vocalista y éste ingresó también como reemplazo de Wynans como teclista. Cuatro días después, la banda hizo su debut en la armería de Jacksonville. Y decidieron llamarse The Allman Brothers Band.
El primer disco, The Allman Brothers Band, muy influido por la música negra y en particular por el blues. En el segundo álbum reflejan su enorme potencialidad: Idlewild South (1970), tuvo un discreto éxito en Estados Unidos. La banda fue creciendo en reputación; actuaron varias veces en el Fillmore de Bill Graham como teloneros de bandas como Blood Sweat and Tears y Grateful Dead. Mientras la banda seguía en su proceso Duane Allman, colaboró con Eric Clapton en la realización del álbum Layla, de Derek and The Dominoes. En 1971 la banda lanzó Live at Fillmore tomado de una actuación de la banda en Nueva York.
Su música se inspiraba en el blues más visceral, con algunos acentos gospel y country. Ejemplo de ello: Statesboro blues y Done somebody wrong, Stormy monday y You don’t love me, entre otros. Este álbum alcanzó los mejores puestos de las listas musicales de Norteamérica. Cuando la banda se disponía a regresar a los estudios de grabación llegó la trágica noticia de la muerte de Duane Allman en un accidente de moto en Macon, el 29 de octubre de 1971. Para los integrantes de la banda, la mejor manera de honrar la pérdida de Duane era continuar haciendo música. En 1972 apareció el doble álbum, Eat a peach.
También en 1972 incorporaron al guitarrista Les Dudek y al teclista Chuck Leavell, un muchacho de 23 años procedente de Tuscaloosa, famoso músico de estudio y ex miembro de Soundown. Sorprendentemente uno de los integrantes de la banda, Raymond Berry Oakley, murió en un suceso similar que le costó la vida a Duane, también en Macon. En ese momento se habia lanzado Brothers and sisters, que llegó al primer puesto en las listas de éxitos de América, confirmando así el “boom” definitivo del southern rock, movimiento que alcanzó su máxima popularidad en 1965.
Brothers and sisters fue un éxito glorioso en todas partes. Mientras aumentaba la consagración comercial y la fama mundial, se produjeron los primeros desacuerdos: Gregg Allman y Dickey Betts empezaron a tener rencillas que llevaron al grupo a una rápida caída. Así que, Gregg Allman grabó dos álbumes en solitario: Laid back (1973) y Gregg Allman tour (1974), considerados trabajos mediocres y aburridos. Dickey Betts, por su parte, grabó el interesante Highway call (1974), con Capricorn. En 1975 se reunieron para grabar Win, loose or draw, álbum que muestra signos de decadencia.
La separación del grupo, era un hecho. Antes de la separación publicaron un doble álbum en directo, Wipe the windows, check the oil, dollar gas (1976) que incluye sus mayores éxitos. Años más tarde, Gregg Allman convocó a Phil Walden para volver a reconstruir el grupo. Pero Chuck Leavell y Lamar Williams no accedieron a la propuesta. Finalmente, los Allman se reunieron, con Dan Toler, como segundo guitarra, David “Rook” Goldflies al bajo y Tom Dowd como productor. De ahí surgió el álbum Enlightened rouges (1979). Betts asumió el papel de líder y compositor. Luego de dos álbumes fracasados Los Allman se separaron definitivamente en enero de 1982.
Ray Davies nació el 21 de junio de 1944 en Muswell Hill, al norte de Londres, Inglaterra.
Familia:
Fue el séptimo de los ocho hijos de Fred y Annie Davies. Tiene seis hermanas mayores y un hermano más joven Dave Davies.
Estudios:
Asistió a la William Grimshaw Secondary Modern School y fue estudiante de arte en el Hornsey College of Art en Londres en 1962 y 1963.
The Kinks:
Comenzó su carrera en 1962 con un trío llamado Hamilton King's Blues Messengers, en el que Peter Bardens (integrante de Camel) tocaba los teclados.
Junto a su hermano menor Dave forman el grupo musical The Kinks. El nombre fue una ocurrencia de su
apostar por el localismo integrando elementos del music hall británico.
Grabaron The Village Green Preservation Societe (1968) y Arthur (1969) con la revolucionaria idea de desarrollar una historia a lo largo de dos caras de un elepé, una fórmula que después utilizarían los Who. Los Kinks estuvieron vetados en EE UU por la American Federation of Musicians durante la segunda mitad de los sesenta.
Durante 1970 su Lola se convierte en un éxito, un tema que narra las aventuras de un travestido.
Hasta 1971 grabaron para Pye, después pasaron por RCA, Arista, MCA y CBS, hasta llegar a las pequeñas discográficas en los noventa.
En 1990, Ray Davies y The Kinks pasaron a integrar el Rock and Roll Hall of Fame y en 2005, son incluidos en el UK Hall of fame.
El 4 de enero de 2004, Davies recibió un disparo en la pierna mientras perseguía a unos ladrones que habían arrebatado la bolsa de un compañero mientras caminaban por el barrio francés de Nueva Orleans, Louisiana. El tiroteo se produjo menos de una semana después de que fuera nombrado Commander of the Order of the British Empire por la reina Isabel II.
En agosto de 2012, Davies interpretó Waterloo Sunset en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres.
En abril de 2017, lanzó el álbum Americana. Basado en sus experiencias en los EE. UU. Un segundo volumen Our Country - Americana Act II se lanza en junio de 2018. Para su banda de respaldo en Americana, Davies eligió a The Jayhawks, una banda de rock country alternativo de Minnesota.
The Notorious Byrd Brothers es el disco más tumultuoso de la turbulenta carrera de los Byrds, también es el que supone un mejor reflejo de su carrera y el favorito de los fans de la banda. En él se puede ver la tremenda huella de una banda que estuvo al frente de varias de las revoluciones musicales de los 60, como el folk-rock, la psicodelia o el country-rock, además de ser de los primeros en utilizar elementos de la música india, toques jazz o coqueteos con la electrónica. Los Byrds son un grupo seminal, de sus discos crecían estilos como si estuvieran plantados en el campo más fértil de la Tierra y The Notorious Byrd Brothers es una perfecta prueba de ello, sirviendo de perfecta suma de su paso por múltiples estilos, muchas veces dentro de una misma canción.
En cierto modo este disco es la culminación del camino iniciado con Fifth Dimension y Eight Miles High a través de la psicodelia y la experimentación. Es un paso más allá en su búsqueda de nuevos sonidos que impidan etiquetarles, pero es, como decía, un disco en el que sus muchas influencias se juntan de manera armoniosa y bella, como el folk-rock tintineante de sus inicios y el futuro camino en el country-rock como se puede comprobar en la hermosa rendición del clásico de Goffin-King Goin´Back, en el que a las armonías marca de la casa y la distintiva Rickenbacker de Roger McGuinn se le une una no menos maravillosa pedal steel a cargo de Red Rhodes. O como en Wasn’t Born To Follow, otra canción del dúo Goffin-King, en la que se puede ver el camino country-rock que iban a tomar sin olvidar meter una distorsionada y psicodélica guitarra.
El disco está lleno de ejemplos de este tipo pero los Byrds absorben tan bien esas influencias que todo fluye tan serena y plácidamente como el momento en el que Draft Morning (una canción que reúne en sí misma lo mejor de todas las épocas de los Byrds) se diluye con el inicio de la fundamental Wasn't Born To Follow. O como cuando los aires country de Old John Robertson se ven interrumpidos por un fantástico y barroco cuarteto de cuerda. Quizás el momento en el que todo esto se escenifique mejor sea en Change Is Now, la única canción del disco en la que se unen dos distintas eras, siendo la única en la que comparten pista la Gretsch de David Crosby, al que despedirían en medio de la grabación, y el futuro Byrd Clarence White que aporta todo el sabor country de su Telecaster del 53. En el puente de la misma, McGuinn entrega uno de sus mejores solo psicodélicos.
Y es que aquí pasan muchas cosas, y muy buenas, cada poco tiempo, parece increíble que este disco fuera grabado en medio de innumerables disputas y luchas de ego entre sus miembros, principalmente entre el iracundo Crosby y el tranquilo McGuinn. Parece ser que la negativa de este a grabar Goin' Back, que estaba en lucha directa con una de sus canciones (la increíble Triad, sobre los placeres del amor entre más de dos personas), y su consiguiente enfado fue la gota que calmó el vaso de la paciencia de McGuinn que acabó echando del grupo a uno de los miembros originales. No fue el único para el que este disco fue el último, el batería Michael Clarke también fue despedido poco después de grabarlo, claro que sus contribuciones no se echarían tanto de menos como las de Crosby. Al batería le costaba seguir el ritmo en una canción básica de pop, no digamos en las enrevesadas composiciones que estaba trayendo Crosby. Además las chicas histéricas habían desaparecido de los conciertos, algo que contribuyó a que decayera su interés y a que tampoco le importara mucho que en más de la mitad del disco le sustituyeran dos de los mejores baterías de sesión de la historia, Jim Gordon y Hal Blaine.
The Notorious Byrd Brothers es el disco cumbre de su carrera para los fans de la banda, por encima de las perfectas canciones de Younger Than Yesterday, de la Biblia del folk-rock que supuso Mr. Tambourine Man o del florecimiento del country-rock que llegaría con Sweetheart Of The Rodeo. Este es el paraíso para cualquier amante de los Byrds, de Tom Petty a R.E.M., un disco en el que hay muchas delicias que destacar, del arrollador inicio con los vientos de Artificial Energy a las innovadoras y pioneras apariciones de un sintetizador a cargo del mago Paul Beaver, del increíble bajo Motown de Chris Hillman en Natural Harmony a la furia del puente garajero y proto/punk de Tribal Gathering, pasando por los misteriosos sonidos que abren Dolphin's Smile sacados de la Rickenbacker de McGuinn. El grupo todavía tenía por delante muchas cosas pero esta fue la guinda de su formación más importante (sobre todo si tenemos en cuenta que Gene Clark sustituyó temporalmente a Crosby, llegando a componer Get To You junto a McGuinn y grabando algunas armonías vocales).
Con el tiempo, eso sí, llegaría la reconciliación y 2017 vio como McGuinn y Crosby enterraban el hacha de guerra en Twitter con el segundo escribiendo "he cometido muchos errores en mi vida... uno de ellos fue olvidar durante un minuto quién era el verdadero líder de los Byrds". A lo que McGuinn no tardó en responder: "He cometido muchos errores en mi vida y uno de ellos fue despedir al mejor cantante armónico del mundo". Amén a eso.
Christa Päffgen nació en Colonia (Alemania) en 1938 y padeció de niña los horrores de la guerra. Su extraordinaria belleza pronto la condujo a posar de modelo internacional para los mejores fotógrafos y revistas, momento en el que adoptó el nombre de "Nico"», que la acompañaría el resto de su tormentosa vida. Su fama se disparó cuando Federico Fellini le dio un papel en la mítica "La dolce vita". Poco después recaló en Nueva York, donde Andy Warhol la introdujo en el séquito de la Factory y, además de protagonizar muchas de sus películas —entre otras, "Chelsea Girls"— y erigirla en Superstar, la embutió un poco a la fuerza en el grupo fundado por Lou Reed y John Cale, The Velvet Underground. Con ellos grabó el que posiblemente sea uno de los mejores discos de la historia del rock, el icónico vinilo del plátano, producido por el propio Warhol: "The Velvet Underground & Nico", donde la alemana cantó en "Femme Fatale", "All Tomorrow s Parties" y "I'll Be Your Mirror" con su particular voz de contralto de fuerte acento teutón. Después inició una fascinante y oscura carrera como artista en solitario, primero con el disco de versiones "Chelsea Girl", al que le siguieron "The Marble Index" y "Desertshore", que a pesar de pasar desapercibidos cuando se lanzaron, hoy son discos de culto y de una enorme influencia. Musa y pareja del cineasta maldito Philippe Garrel, con quien protagonizó, entre otras, "La cicatrice intérieure", ambos empezaron a consumir heroína de forma regular. Una adicción cada vez mayor llevó a Nico a una espiral de degeneración que la minó física y psicológicamente, cosa que no impidió que tuviera una prolífica carrera como música, sobre todo en directo. Nico murió en Ibiza en extrañas circunstancias a los 49 años.
Tras cuatro años de investigación y más de cien entrevistas, Jennifer Otter Bickerdike construye una fascinante y documentadísima biografía de una de las voces más carismáticas de la música popular cuya vida fue un cautivador enigma que "You Are Beautiful and You Are Alone" trata de desentrañar.
Freddie Mercury nació el 5 de septiembre de 1946 en Guyaratí, en la colonia británica de Zanzibar, isla que hoy pertenece a Tanzania.
Familia:
Hijo de los británicos Bomi (1908-2003) y Jer Bulsara (1922-2016), parsis de la región de Gujarat de la entonces provincia de Bombay Presidencia en la India británica. Su padre era diplomático.
En 1954 la familia viajó a la India y cursó estudios en la St Peter's English Boarding School en Panchgani, a 80 kilómetros de Bombay.
Estudios:
A los diez años fue campeón escolar de tenis de mesa. A los doce fue premiado con el trofeo escolar Junior por el mérito en todas sus actividades extracurriculares.
Al dejar el colegio se matriculó en el Ealing College of Art, en el que también estudiaban Pete Townsend, de The Who, Ron Wood, de The Facesy Roger Ruskin Spear, de The Bonzo Dog Doo Dah Band. Se diplomó en Arte y Diseño.
Cantante:
Dotado con una poderosa voz, en 1958, junto con otros cinco compañeros del St Peter's, (Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana) crearon una banda de rock'n roll: The Hectics, en donde tocaba el piano.
Se rebautizó con el apellido Mercury, por Mercurio, el mitológico mensajero de los dioses. Al cabo de algún tiempo Freddie Mercury comenzó a vestir de forma extravagante.
Queen:
En abril de 1970 entró en el grupo "Smile", junto al guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajo John Deacon.
En 1973 publicaron "Queen I" nombre con el que se rebautizó al grupo bajo propuesta de Freddie.
Canciones:
La banda de rock dejó tras de sí un total de 20 álbumes publicados y canciones como We Are The Champions, Bohemian Rhapsody, I Want To Break Free, We Will Rock You o A Kind Of Magic que se convirtieron en clásicos de la música pop.
Queen llegó a vender más de 300 millones de álbumes en todo el mundo. Hicieron música más allá de géneros modas y estilos. En algunos de sus temas se sintetizan con audacia el rock y la ópera, y se transformaron en verdaderos clásicos.
En solitario editó el disco "Mr Bad Guy" en 1985. Junto a Montserrat Caballé compuso el álbum "Barcelona", himno de los Juegos Olímpicos de 1992. El 8 de octubre de 1988 actuó junto a la soprano en Barcelona. Fue la última vez que en que se le vio sobre un escenario.
Muerte:
Enfermo, siguió componiendo y grabando canciones. Anunció un día antes de su muerte que padecía SIDA. El 24 de noviembre de 1991 Freddie Mercury murió en su casa de Londres por una complicación de bronconeumonía que no soportó a causa de su enfermedad.
Herencia:
Dejó casi cincuenta millones de dólares a su exnovia e íntima amiga Mary Austin, y a su último amante, Jim Hutton, le dejó casi un millón de dólares.
El 20 de abril de 1992 se realizó un concierto en su memoria en el estadio de Wembley, en donde participaron muchas estrellas famosas del rock. El disco de Queen Grandes éxitos II, salió a la venta inmediatamente después de su muerte.
Bohemian Rapsody:
'Bohemian Rapsody' se reconoció como la mejor canción de todos los tiempos para los británicos, por encima del 'Hey Jude' o el 'Yesterday', de los Beatles, y del 'Imagine' de John Lennon. Así lo votaron miles de personas en el sondeo organizado por el libro Guinness de los records en la música británica en 2002.
Sabías que...
Diseñador:
Mecury diseñó el logotipo de Queen. Lo hizo combinando los signos zodiacales de los miembros de la banda, dos leones para Leo, John y Roger; un cangrejo para Cáncer, Brian; y dos hadas para Virgo, Freddie, la letra ‘Q’ con una corona y sobre todo ello, un ave fénix que simboliza el renacer de la banda a partir de sus conjuntos musicales anteriores.
Bruce Springsteen nació el 23 de septiembre de 1949 en el Monmouth Medical Center en Long Branch, Nueva Jersey, desde el hospital llegó a Freehold Borough, donde pasó su infancia; pueblo también del estado de Nueva Jersey.
Familia:
Con ascendencia irlandesa e italiana; hijo de Douglas Frederick Springsteen, un conductor de autobús que pasó mucho tiempo desempleado, y de Adele Ann Zerilli, secretaria. Su abuelo materno nació en Vico Equense, pueblo cercano a Nápoles. Tiene dos hermanas menores, Virginia y Pamela.
Estudios:
Su infancia y adolescencia se vieron marcadas por la severa educación recibida en los colegios católicos a los que asistió y por los apuros económicos de la familia, lo que provocó un cierto sentimiento de inferioridad y rebeldía.
En 1958, vio a Elvis Presley cuando actuaba en el show televisivo, de Ed Sullivan.
Músico:
Su primera guitarra le costó 18 dólares en una casa de empeños. En 1965 creó junto a Tex Vinyard y George Theiss, el grupo The Castilles, que fracasaría muy pronto. Tres años después dio vida a otro grupo, llamado Child, formado por Danny Federici, Vini Lopez y él.
Cantante:
John Hammond, el cazatalentos que descubrió a Bob Dylan, Billie Holiday, Aretha Franklin y Count Basie, propone a Springsteen realizan una grabación de prueba para Columbia-CBS, la compañía discográfica para la que trabaja. Fueron dos horas de canciones acústicas en las que Bruce hace un recital privado para los cerebros de la discográfica. El 9 de junio de 1972 firma con en esa compañía.
Discos:
A principios de 1973 sacó el álbum Greetings from Ausbury Park. Ese mismo año la CBS le amplía el contrato y sale otro álbum, The Wild the Innocent & The E Street Shuffle. En 1984 lanza su mayor éxito de ventas: Born In The U.S.A., que permaneció durante siete semanas seguidas como número uno. En uno de los temas, el que da título al álbum, el Boss critica las miserias de su país.
Le siguió Dancing In The Dark y el famoso Live 1975-1985, un recopilatorio de cinco discos en directo con sus mejores canciones. En 1995, aparece The Ghost Of Tom Joad álbum que recuerda a Nebraska.
En 2002, publica The Rising, primer lanzamiento desde 1984 de un álbum completo de nuevas canciones grabadas con la E. Street Band, y el primer álbum de rock de estudio desde 1992. The Rising, con catorce temas nuevos y una versión de My City of Ruins, canción que interpretó durante los actos de homenaje a los damnificados por los atentados del 11 de septiembre, dio nombre a la gira y le hizo triunfar en los premios Grammy con tres de estos galardones.
Político:
En agosto de 2004 Springsteen, Pearl Jam y el trío de country Dixie Chicks fueron algunos de los veinte músicos que ofrecieron treinta y cuatro conciertos por nueve estados procurando que George W. Bush perdiera las elecciones presidenciales.
El 2 de noviembre de 2008 estrenó la canción Working on a Dream en un acto de la campaña electoral de Barack Obama. Esta canción formó parte de un trabajo de estudio, Working on a Dream, publicado el 27 de enero de 2009.
En su álbum de 2012, Wrecking Ball, aparecen estilos, como el folk, gospel y hip-hop. Su siguiente trabajo fue High Hopes, presentado el 14 de enero de 2014.
Su The River Tour se inició en enero de 2016 y el 14 de diciembre de 2018, se lanzó el álbum en vivo Springsteen en Broadway. Su decimonoveno álbum de estudio, Western Stars, fue lanzado el 14 de junio de 2019.
El 10 de septiembre de 2020, anunció un nuevo álbum con la E Street Band, Letter to You, que se presenta el 23 de octubre de 2020.
Recibió 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Premio de la Academia y vendido casi 190 millones de álbumes en todo el mundo.
Fue incluido en el Songwriters Hall of Fame y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1999. En 2013 fue nombrado MusiCares del año, y en 2016, galardonado con la Medalla Presidencial de la Libertad.
En una entrevista de junio de 2017 Springsteen admitió haber evadido de impuestos al principio de su carrera.
Parejas e hijos:
Durante la gira de promoción de Born in the U.S.A., conoce a Julianne Philips, con quien se desposa en Lake Oswego, Oregón, el 13 de mayo de 1985. Se divorciaron en 1988. Su relación aparece en algunas canciones del álbum de 1987 Tunnel of Love.
En 1991, Después se casa con corista de la E Street Band, Patti Scialfa, con quien tuvo tres hijos: Evan James (1990), Jessica Rae (1991) y Sam Ryan (1994).
Sufrió depresión durante décadas y comenzó a enfrentarla con ejercicio corriendo hasta seis millas diarias y levantando pesas. También sigue una dieta principalmente vegetariana.
UNO DE LOS CONCIERTOS MAS LEGENDARIOS EN LA EXPO DE SEVILLA 1992
Sevilla. Octubre de 1991. Queda poco para la EXPO’92 y en la ciudad flota en el ambiente la sensación de que algo grande va a ocurrir. En lo musical, la organización se despacha con un festival con un nombre muy pretencioso: “Leyendas de la Guitarra”. Poco a poco empiezan a sonar nombres: B.B.King, Paco de Lucía, Brian May, John McLaughling. Se especula que también estarán Eric Clapton y Johnny Winter. Algunas “Leyendas” del cartel no pueden serlo por su juventud o por su escaso virtuosismo. Salen nombres que nada o poco tienen que ver con la guitarra. Y sale también Miguel Bosé. Finalmente se confecciona un programa de 5 conciertos, más o menos temáticos: la noche del blues, la del jazz, la de “las guitarras locas”…En mi precaria situación económica del momento, sólo puedo permitirme pagar las 2.800 ptas de la entrada para una noche. La última.
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El resto de actuaciones, tengo que conformarme con verlas en semidirecto por televisión, que no está tampoco mal. En la dirección artística del festival está Phil Manzanera y se consiguió un cartel definitivo de superlujo. El problema de estas cosas es que al final lo que tienes es un revival de dos horas donde cada estrella actúa unos 15 minutos, donde te meten algún que otro paquete no deseado y donde al final lo importante parece que es salir guapo en la foto final. Pero aunque te sepa a poco te brinda la oportunidad de vivir momentos maravillosos e irrepetibles. Así me pareció por ejemplo poder ver a B.B.King mano a mano con Albert Collins, o reunir de nuevo en el escenario a John McLaughling y Paco de Lucía, o bandas de acompañamiento formadas por músicos de lujo como George Duke o Tony Levin. Aunque también hubo momentos lamentables como ver a Bob Dylan haciendo de Bob Dylan, o Bo Diddley intentando hacer un punteo decente en la jam final junto a otros monstruos del blues, o los gallos de Miguelito Bosé cantando “Sevilla”.
Cada noche, un músico hace de maestro de ceremonias, y en la última sesión este papel correspondió a Brian May. Los cabezas de cartel de aquella noche son, junto al propio May, el malabarista Joe Satriani, su aventajado alumno Steve Vai, el rookie Nuno Bettencourt y el eagle Joe Walsh. Junto a ellos, una banda de superlujo con Steve Ferrone y el desaparecido Cozy Powell a la batería, el inmenso Nathan East y Marc Morán al bajo, Rick “Yes” Wakeman a los teclados y un entonces no tan metrosexual Paul Rodgers junto a Gary Cherone a la voz. El escenario, el mismo que en anteriores sesiones con el añadido de una pasarela adicional y más pirotecnia de lo habitual. En la grada, una zona delantera reservada a los que pagaron la descabellada cifra de unas 8.500 ptas y que, desde el minuto cero que se apagaron las luces, fue invadida por la plebe de melenudos que no iba a permitir ver a sus ídolos desde la lejanía de las localidades económicas. Una vergüenza de organización, vaya. Todas las sesiones se desarrollaban más o menos de forma similar: uno de los invitados interpretaba su seleccionado set que finalizaba solapando alguna interpretación a dúo con el siguiente invitado. Así se sucedían las actuaciones con alguna que otra entrada y salida de artistas en momentos puntuales y hasta la traca final donde mil guitarras interpretaban conjuntamente algún clásico. Como ya dije antes, una bonita foto para la posteridad. Pude ver a los guitar hero del momento Satriani y Vai haciendo locuras con sus Ibanez, a los Extreme en su momento de máxima popularidad, a un pasadísmo Joe Walsh bastante payaso pero que tuvo un emotivo tributo al recientemente fallecido Steve Ray Vaughan, y a un inmenso Brian May. Humilde, pero demostrando quién manda ahí. Sin duda consciente del final de los días de Freddie Mercury, quizá fue en aquella sesión donde comenzó a gestar la posibilidad de unos nuevos Queen con Paul Rodgers a la voz.
Joe "Satch" Satriani es un guitarrista de rock. Ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 7 millones de discos en todo el mundo.
Satriani está considerado por algunos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament), el ex-Megadeth,Marty Friedman, entre otros.
Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los '70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.
Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera uno de los 5 mejores álbumes de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight".
En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.
En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock – originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.
Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descripta como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues and rock and roll. En comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen y John Petrucci, Satriani es más lírico.
Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS y el amplificador Peavey JSX.
Steven Siro Vai, guitarrista y compositor estadounidense. Vai es conocido principalmente por sus composiciones, actuaciones y producciones de música instrumental de guitarra, pero además ha participado en grabaciones de otros muchos artistas del rock. Es considerado uno de los principales guitarristas eléctricos, y un revolucionario dentro del rock instrumental.
En su juventud, Vai se interesó en grandes del rock como Jimi Hendrix, Alice Cooper y Led Zeppelin que fomentó su interés en aprender guitarra. Antes de ingresar a la Berklee College of Music, Vai tomó lecciones con el guitarrista en ascenso Joe Satriani y tocó en muchas bandas locales. Durante este tiempo adquiría la influencia de guitarristas como Jeff Beck y el guitarrista de fusión Allan Holdsworth.
Steve Vai conquistó el reconocimento general tocando como guitarrista del legendario músico, productor y magnate Frank Zappa.
A principios de los 80 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz. Entonces se unió al antiguo "front-man" de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje".
Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum "Slip of the tongue" y en 1990 grabó su segundo álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.
También saltó a la pequeña pantalla apareciendo unos cuantos minutos en la película Cross Roads (Cruce de caminos o Encrucijada) donde hizo el papel de un guitarrista llamado Jack Butler que trata de vencer a un joven guitarrista virtuoso enfrentado en un duelo guitarrero frente a Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid). Un dato curioso de esta película es que Vai toca realmente tanto su parte como la mayoría de las de Ralph Macchio, incluyendo "Eugene's Trick Bag" compuesta por el mismo Vai, basándose en el 5 Capricho de Paganini
En 1991 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla de 1992 (Expo´92).
En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva y una dinámica más de banda, dejando de lado el estilo solista. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión. En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los videos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas.
Al año siguiente (1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. En 1996 también sale a la venta "Fire Garden" un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.
Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.
En el año 2000 año Steve Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de "The Ultra Zone".
Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.
Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira convirtiéndose en G4, teniendo en esta oportunidad como invitados al legendario Robert Fripp.
Su último álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.
En 2006 Steve participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.
Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.
El virtuoso de la guitarra Nuno Bettencourt se hizo un nombre con el ecléctico grupo de pop-metal Extreme durante el apogeo de la era de las trituradoras de guitarras, y se embarcó en una carrera en solitario después de la ruptura de la banda. Como solista, la influencia más reconocible de Bettencourt fue Eddie Van Halen, pero como compositor, podría inspirarse en Queen, los Beatles, Prince y cualquier otra cosa. El menor de diez hijos en una familia musical, Bettencourt nació Nuno Duarte Gil Mendes Bettencourt en la ciudad de Praia da Vitoria, en la isla de Terceira en las Azores (un archipiélago gobernado por Portugal) el 20 de septiembre de 1966. Su familia se mudó a Boston cuando tenía cuatro años y comenzó a tocar música cuando era adolescente, probando la batería, el bajo y los teclados, pero se decidió por la guitarra. Bettencourt tocó en varias bandas del área, a veces con sus hermanos, y se unió a Extreme en 1985; después de volverse bastante popular a nivel local, el grupo firmó con A&M y lanzó su álbum debut en 1989. Siguieron tres álbumes más, además de un sencillo pop número uno en la balada acústica "More Than Words", antes de que la banda se retirara en 1996. En Además, Bettencourt produjo e invitó al segundo álbum de los rockeros australianos Baby Animals en 1993; al año siguiente, se casó con la cantante principal del grupo, Suze DeMarchi. Bettencourt produjo e invitó al segundo álbum de los rockeros australianos Baby Animals en 1993; al año siguiente, se casó con la cantante principal del grupo, Suze DeMarchi. Bettencourt produjo e invitó al segundo álbum de los rockeros australianos Baby Animals en 1993; al año siguiente, se casó con la cantante principal del grupo, Suze DeMarchi.
Se rumoreaba que Bettencourt tenía un proyecto en solitario en proceso durante algún tiempo, y después de la desaparición de Extreme, se lanzó a la idea en serio. De hecho, tocó todos los instrumentos en su debut en solitario de 1997, Schizophonic (lanzado por el sello A&M). Si bien el álbum tuvo en cuenta la revolución del rock alternativo, no se vendió muy bien; Sintiéndose limitado, Bettencourt dejó A&M y en 1998 formó una unidad de apoyo permanente con su sobrino Donovan Bettencourt (que había tocado en la gira de apoyo de Schizophonic) en el bajo y el ex compañero de banda de Extreme Mike Mangini en la batería. Sin embargo, Mangini no se quedó mucho tiempo y fue reemplazado por Jeff Consi en enero de 1999. Bettencourt apodó al grupo Mourning Widows y firmaron con la división japonesa de Polydor; su debut, Mourning Widows, fue lanzado en el extranjero en 1998, mezclando hard rock y funk-rock con toques de alternativa y psicodelia. El seguimiento, Furnished Souls for Rent, se lanzó en 2000. Bettencourt tardó dos años en seguir Furnished Souls for Rent con un debut homónimo de su nuevo grupo, Population One.
Uno de los guitarristas más respetados del flamenco y de la historia de la música española. Gracias a su habilidad técnica y su creatividad revolucionó el flamenco llevándolo a nuevos públicos. Su estilo único combina elementos tradicionales del flamenco con influencias de otras músicas. Grabó álbumes con figuras como Camarón de la Isla que se convirtieron en clásicos y colaboró con otros guitarristas de renombre como Al Di Meola y John McLaughlin.
"La guitarra me ha ofrecido la capacidad de poder expresarme con el resto del mundo sin utilizar la palabra"
Paco de Lucía nació el 21 de diciembre de 1947 en Algeciras, Cádiz.
Familia:
Hijo de Lucía Gomes Gonçalves «La Portuguesa» y Antonio Sánchez Pecino, aficionado a la guitarra. Hermano del cantaor Pepe de Lucía. "Mi padre se iba a buscar la vida por las noches a las fiestas y siempre amanecía en casa con flamencos; mi hermano Pepe y mi hermana María también desde chiquitos han estado vinculados a este mundo. Vivíamos en La Bajadilla, un barrio muy gitano, siempre había alguien en casa cantando o tocando".
Estudios:
Comenzó sus estudios de guitarra a los seis años. "A mi padre se lo debo todo pues me obligó a tocar desde niño cuando uno no tiene capacidad para decidir lo que quiere ser en la vida y necesitas a alguien que te empuje y te señale el camino. Eso fue lo que él hizo, entre otras cosas porque no tenía dinero para mandarme a la escuela. Tuve que buscar trabajo y llevar un sueldo a la casa".
Guitarrista:
A los trece años viajó por primera vez a Norteamérica como tercer guitarrista de la "Compañía del ballet clásico-español de José Greco". Conoció al cantaor Fosforito, al que acompañó por primera vez en una actuación en Salamanca.
Camarón:
Hizo amistad con Camarón de la Isla y Paco de Lucía, recuerda aquella etapa como una de las más bonitas de su vida, "estábamos tocando y cantando a todas horas, noches enteras inventando cosas". Fue pareja artística con Camarón de la Isla, con quien firmó varios discos de notable éxito entre 1969 y 1979, marcando la historia del flamenco para siempre.
Con prestigio en el mundo de la música popular, del flamenco y del rock más purista por su colaboración con guitarristas como Larry Coryell, John McLaughin o Al di Meola.
Abrió el flamenco a al jazz y el blues. Fue en el año 1973, con la rumba "Entre dos aguas" cuando apareció la línea divisoria entre un antes y un después de la guitarra flamenca. En el año 1982 tocó con Chick Corea en giras por Estados Unidos y Japón.
Grabó bandas sonoras para el cine.
Premios:
El guitarrista fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2004. El 8 de mayo de 2010 se convirtió en el primer artista español investido doctor honoris causa por el Berklee College of Music, universidad de Boston (Massachusetts, EE UU).
En noviembre de 2012 fue galardonado con el segundo Grammy Latino de su carrera, tras obtener el galardón al mejor álbum de música flamenca por su disco En vivo conciertos España 2010. De Lucía, ya había ganado ese mismo galardón en 2004 por Cositas buenas.
Matrimonios e hijos:
En 1977 se casó con Casilda Varela Ampuero. Tuvieron tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983). Tras veinte años de matrimonio, la pareja se separó.
Contrajo matrimonio con la restauradora mexicana Gabriela Canseco, con quien tuvo dos hijos, Antonia (2001) y Diego (2007).
Muerte:
Paco de Lucía falleció el 26 de febrero de 2014 en México. El artista se encontraba jugando con sus hijos en una playa en Cancún, donde poseía una casa, cuando se sintió súbitamente indispuesto falleciendo de camino al hospital a causa de un infarto. Tenía su residencia en Palma de Mallorca, tras su paso por lugares como la Península del Yucatán o Toledo. En sus últimos tiempos también residió en Cuba.
PACO DE LUCÍA LIVE AT LEVERKUSEN JAZZSTAGE 2010
Parliament-Funkadelic es una música Funk colectiva dirigida por George Clinton, que se especializó en el estilo de música conocido como P Funk y realiza con el Parlamento los nombres y Funkadelic (dos bandas que consiste en los miembros de la misma, el registro de marcas diferentes), sino también en una veintena de grupos de rama y de empresas en solitario. Grabación con nombres múltiples, este grupo tenía trece Top Ten en las listas de música R & B EE.UU. entre 1967 y 1983, incluyendo seis números uno en las listas de R & B. Ellos fueron elegidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 1997. Colectivamente, el grupo ha existido bajo diferentes nombres desde 1960 y ha sido conocido por primer nivel musical, letras políticamente cargadas, álbumes de concepto descabellado, y memorables actuaciones en directo. Hoy en día los viajes, ya sea como banda de George Clinton y el P-Funk All Stars, o George Clinton y Parliament Funkadelic.
La etimología del término P-Funk está sujeto a múltiples interpretaciones. Se ha identificado alternativamente como una abreviación de "Parliament-Funkadelic", "funk puro" o "Plainfield Funk", en referencia a Plainfield, Nueva Jersey, la ciudad natal del line-up original de la banda. Las notas de la versión en CD del álbum asunto Motor Botín sugieren que el "'P' significa 'puro'". La popularidad de arranque de Parliament-Funkadelic elevó el estatus de P-Funk para describir lo que hoy es considerado como un género de la música en sí misma. Los fans de este género musical a menudo se refieren a él como "El P."
Nació el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte.
Aficionado a la guitarra con no más de siete años, mientras acudía al salón de baile que regentaba su padre, no era mayor de edad cuando comenzó su carrera profesional al entrar a formar parte de Skid Row, grupo en el que el guitarrista conoció a Phil Lynott, futuro líder y hacedor de Thin Lizzy, agrupación de la que formó parte reemplazando al guitarrista Eric Bell.
Grabó tres discos con la banda y dejó su huella en el tema Still in Love with you, una de las baladas más emotivas de la banda.
En 1973 hizo su debut como solista con "Grinding Stone".
Fue músico de sesión durante algunos años y se unió al proyecto de fusión Colosseum II en 1975. En 1977 reaparece en Thin Lizzy y graban "Black Rose".
Durante una gira por los EEUU en 1979, decidió abandonarla nuevamente y crea G-Force con los que lanza "Parisienne Walkaways" del disco "Back in the Streets". Con "After the War" incluyó notablemente ritmos y melodías de origen celta, después aparece "Still got the Blues", donde combina el blues tradicional con toques de hard rock y metal. Consiguió un éxito masivo tanto en ventas como en opiniones de la crítica. Con el "After Hours" consolida su reputación como bluesman al compartir piezas con B.B: King y Albert Collins. En 1994 grabó con Jack Bruce y Ginger Baker (ex miembros de Cream) en un proyecto paralelo llamado BBM.
Gary Moore fue hallado muerto en la habitación de un hotel de Estepona, Málaga, Costa del Sol, en España, el 6 de febrero de 2011.
Santana nació en Autlán de Navarro, Jalisco, México. Su padre tocaba el violín en un mariachi. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero se empezó a interesar en la guitarra cuando tenía ocho años, influenciado principalmente por el músico Ritchie Valens. En 1955 su familia se mudó a Tijuana, Baja California. Carlos se dedicó a estudiar la guitarra emulando los sonidos de B. B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba en conjuntos locales como Los T.J.'s, del cual era bajista, grupo donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock and roll de la década de 1950.
Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándole en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía de San Francisco, la cuna del movimiento hippie. En 1965 recibió la nacionalidad estadounidense.
Primeros años de su carrera musical:
"Los años 1960 fueron un salto en la conciencia humana. Mahatma Gandhi, Malcolm X, Martin Luther King, el Che Guevara y la Madre Teresa lideraron una revolución de la conciencia. The Beatles, The Doors y Jimi Hendrix crearon temas de revolución y evolución. La música era como Dalí, con muchos colores y formas revolucionarias. La juventud de hoy debe ir allí para encontrarse a sí misma".
Después de varios años trabajando como lavaplatos en un restaurante, Santana decidió convertirse en un músico de tiempo completo. En 1966 ganó prominencia debido a una serie de eventos accidentales, todos sucedidos el mismo día. Santana era un asistente frecuente del famoso club Fillmore West, propiedad del promotor Bill Graham. Durante una función matutina dominical, el músico Paul Butterfield estaba programado para actuar allí pero no pudo hacerlo por una intoxicación. Graham reunió a una improvisada banda de músicos que conocía principalmente a través de sus conexiones con la banda de Butterfield y con Grateful Dead y Jefferson Airplane, pero aún no había elegido a todos los guitarristas. El mánager de Santana, Stan Marcum, inmediatamente le sugirió a Graham que tuviera en cuenta a Santana en la improvisada banda y Graham estuvo de acuerdo. Durante la sesión de improvisación, la guitarra y el solo de Santana llamaron la atención tanto del público como de Graham. Ese mismo año, Carlos formó la Santana Blues Band con otros músicos de la calle como David Brown (bajo), Marcus Malone (percusión) y Gregg Rolie (voz principal, órgano). Más tarde firmó un contrato discográfico con Columbia Records, y su banda pasó de llamarse "Santana Blues Band" a simplemente "Santana". La agrupación publicó una serie de exitosos álbumes con un toque afrocubano y de rock latino gracias a la guitarra de Carlos, caracterizada por una melodía autosuficiente que se convirtió en su marca registrada.
Nathaniel Adams Cole, más conocido como Nat King Cole, nace en Montgomery, Alabama el 17 de marzo de 1919, pero su niñez la pasó en Chicago. Nat aprendió a tocar el piano gracias a su madre, y el hecho de pertenecer a una iglesia le enseño mucho sobre música gospel. La familia del astro, vivía en un barrio famoso por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Esto motivó a Nat a ligarse al jazz tras escuchar a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.
Fue en la década de los 30, cuando inicia su carrera artística junto a su hermano y graban su primer demo en 1936; pero fue realmente un año después cuando King Cole toma la música de manera más profesional y forma el "King Cole Trio" junto a Oscar Moore y Wesley Prince. Tras un arduo trabajo de promoción por distintos bares y clubes nocturnos, la nueva banda firma un contrato con la compañía disquera "Capitol Records" y logra llegar al público con su tema "Sweet Lorraine" en 1940.
El 30 de noviembre de 1943, gracias al apoyo de la discográfica y a la inspiración de Cole aparecen los clásicos: "Straighten Up and Fly Right" y "Gee, Baby, Ain’t I Good to You?"
El 8 de junio de 1946, la grabación "(Get Your Kicks On) Route 66" entra a los charts de R&B y logra alcanzar el ranking número 3. Unos meses mas tarde, cuando llega el verano, se convierte en un hit pop rozando el Top Ten.
El 6 de Febrero de 1950 nace su única hija, Natalie Cole, fruto de su relación con la cantante Maria Hawkins, con quien se casó en segundas nupcias dos años antes. Natalie pronto adquiriría las habilidades de su padre, conviertiéndose en una gran intérprete de R&B y jazz.
En la segunda mitad del año 1950, aparece "Mona Lisa", una balada que al inicio no gustaba mucho a Nat, pero que irónicamente llego al número uno en ventas y logró distribuir 3 millones de copias. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz.
Nació el 22 de agosto de 1917 en Clarksdale, Mississippi (Estados Unidos).
Sus primeras clases de guitarra las recibe de su padrastro, el músico Will Moore. Pasó su infancia y parte de la adolescencia en una plantación.
Comenzó como cantante de iglesia, pero la influencia de leyendas como Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake transformaron su concepción musical.
En los años 30 se traslada a Detroit para trabajar en la industria automovilística, por las noches toca en clubs de la ciudad.
En octubre de 1948 sale Boogie Chillun, que casi de inmediato es un éxito. En diciembre del mismo año edita su segundo disco Black Man Blues. Evadiendo problemas legales, aparece como "Texas Slim".
De 1949 a 1954, graba un total de 70 singles, en 21 compañías distintas, usando 10 seudónimos diferentes, como "Johnny Lee" o "Delta John". En 1952 trabaja como disc-jockey en Detroit. En 1956 graba Dimples y en 1962 hace una gira por Europa. En julio de ese año lanza Boom Boom, la canción que aparecerá en las listas de Pop durante décadas.
Fue motivo de inspiración para artistas como The Animals, The Yardbirds, The Rolling Stones y el propio Jimi Hendrix. Entre 1966 y 1974 graba para ABC Records. En 1974 le
contrata Atlantic. En 1980, aparece, junto a Ray Charles y otras figuras del Ryth and Blues, en la película The Blues Brothers. En 1988 sale The Healer con Carlos Santana, Robert Cray y George Thorogood.
A los 71 años, su figura alcanza proporciones legendarias y se convierte en un ídolo de masas entre las generaciones más jóvenes. En su última grabación, Don't look back, cuenta con réplica de Van Morrison, productor del disco. Ingresó al Salón del Rock de Los Ángeles y al Salón de la Fama Bammies, en San Francisco, y obtuvo su estrella en el Salón de la Fama del Bulevar de Hollywood. En octubre de 1998 fue honrado por el Salón de la Fama del Rock and Roll con un concierto-tributo en el que actuaron Elvin Bishop, Eddie Kirkland y Johnnie Johnson, algunos de sus mejores amigos. En 1997 recibió dos premios Grammy por su última grabación en estudio, Don´t look back.
John Lee Hooker falleció mientras dormía el 21 de junio de 2001 en San Francisco (Estados Unidos).
Nina Simone (1933-2003) fue una pianista y cantante estadounidense de jazz, soul, blues y R&B, reconocida por tener una de las voces más poderosas del siglo XX. Conocida también por su álbum «High Priestess of Soul», y por ser activista de los derechos civiles de las personas afroamericanas. Por eso y mucho más, hemos decidido recopilar toda la información sobre la biografía de Nina Simone, para conocer su trayectoria musical.
Sus inicios
La icónica cantante de jazz, nació el 21 de febrero de 1933, bajo el nombre de Eunice Kathleen Waymon, en un pueblo llamado Tyron, ubicado en Estados Unidos.
Con tan sólo 2 años de edad, Eunice se encontraba tocando el órgano de su madre, quien solía cantar «Góspel». Gracias a este recuerdo tan importante de su infancia, comenzó su trayectoria musical.
Después de ese evento, en el año 1939 tomó clases de piano, y cuatro años más tarde se presentó en una librería local donde daría su primer recital.
Este suceso quedó grabado en su memoria, puesto que fue la primera vez que experimentó el racismo. Durante el evento, sus padres fueron desalojados hacia una fila más lejana, porque en la primera iría una familia de personas blancas.
Desde allí, la cantante sintió unas profundas ganas de protestar contra estas acciones, y fue así como comenzó su activismo por el derecho civil de los ciudadanos afroamericanos. De esa manera, se negó a tocar si sus padres no regresaban a sus puestos iniciales, y así sucedió.
En el año 1950, tomó clases de piano en la Escuela de Música Juilliard, en Nueva York, pero no pudo culminar los estudios debido a su posición económica. Tiempo después, su familia decidió mudarse a Filadelfia, donde se postuló para entrar en una escuela de música que la rechazó. Sin embargo, esto no le impidió ser la artista en la que se convirtió.
Tiempo después, encontró trabajo en un bar donde comenzó tocando el piano. Más tarde, cantó a petición del dueño e interpretó la versión de la canción “I loves you Porgy”, del cantante de música clásica, George Gershwin.
Trayectoria musical de Nina Simone
En el año 1950, Eunice obtuvo su nombre artístico por la actriz Simone Signoret. Además, realizó su debut publicando su interpretación de “I loves you Porgy”, donde obtuvo un gran éxito y consiguió entrar en el Top 40 de los Estados Unidos.
NOTA
Su single “My Baby Just Cares for Me”, se convirtió en uno de los más exitosos en Inglaterra, siendo escogido como canción para el comercial de Chanel n°5.
Para 1957 firmó un contrato con el sello discográfico Bethlehem Records, y un año después publicó su primer disco titulado “Jazz as played in an exclusive side street club” . Este disco es mejor conocido como “Little girl blue”, y obtuvo un gran éxito debido a la canción debut con la cual comenzó su promoción.
Tiempo después, Nina Simone se unió a la compañía discográfica Colpix (Columbia Pictures Records), con la cual trabajó gran parte de su carrera musical. Pero, a pesar de todos los discos que sacó años más tarde, no volvió a estar en el Top 40. Sin embargo, la artista ya poseía fama, y una gran multitud de fans.
Activismo antirracista
En el año 1969 decidió mudarse de su país natal por todas las experiencias racistas que le tocó vivir, y también por el asesinato del activista Martin Luther King. Su destino fue Barbados. Posterior a ello vivió un tiempo en Suiza, en Holanda y por último en Francia, donde pasaría sus últimos años de vida.
Nina Simone comentó que su música no era clásica, sino una protesta ante el racismo. Este hecho le costó su carrera, pero no la detuvo, ya que en el año 1963 decidió publicar “Mississippi, Goddam” como consecuencia del asesinato de cuatro niñas afroamericanas, en Birmingham, estado de Alabama.
La cantante falleció el 21 de abril de 2003, en la población de Carry-le-Rouet, Francia, a la edad de los 70 años.
Frank Albert Sinatra, mejor conocido sencillamente como Frank Sinatra, fue un cantante y actor oriundo de Estados Unidos y es considerado al día de hoy una de las personas más importantes en el ámbito musical del siglo XX. Esto se debe al abordaje que empleó a la hora de cambiar el cómo se interpretaba una voz masculina dentro de la música del siglo XX, lo cual le ganó una gran fama y popularidad a lo largo de toda su vida.
PRIMEROS AÑOS DE VIDA
Frank Sinatra nació el 12 de diciembre del año 1915 bajo el ala de una familia de clase media en Hoboken, Nueva Jersey, Estados Unidos. Sus padres eran Antonino Martino Sinatra Saglimbeni y Natalia Garaventa, ambos inmigrantes italianos. Su madre estuvo varias veces en prisión por realizar abortos ilegales, ya que esta trabajaba como comadrona; y su padre era boxeador profesional, propietario de una taberna y bombero.
Aunque tuvo un parto traumático, creció para convertirse en un joven sano y revoltoso, el cual llegó a tener encuentros con la policía debido estar vinculado a actividades pandillas. No obstante, esto iba contrastado con su afición por la música, lo cual lo llevaría a cantar a la corta edad de 9 o 10 años en la taberna de su padre.
NACIMIENTO DE SU PASIÓN POR LA MÚSICA
Esta misma afición por cantar lo llevaría a ver a Bing Crosby, y tomar mucha influencia de este en 1933. Ante esto participa en Major Bowes Amateus Hour, acompañando a Three Flashes. Esto, hizo que su carrera creciera ampliamente, al punto de ganar una gira patrocinada por el programa. Sin embargo, después de conflictos con sus compañeros, optó por dejar la gira.
Durante esta época, empezó a pensar en cómo podría diferenciarse a él mismo de otros músicos. Ante esto, se encontraba con un problema: no tenía una buena potencia en su voz, debido a que no sabía cómo proyectar la misma. Pero, a pesar de ello encuentra una buena solución, el usar el micrófono. Debido a que tenía una amplia experiencia radiofónica, decide usar al micrófono como un aliado para poder hacerse popular en todo el país.
VIDA PERSONAL Y FAMA
A partir de 1939 empieza a dar conciertos y a crecer en fama de a poco. Ya para este momento tenía una esposa, Nancy Barbato, con la cual llegó a enfrentar distintos problemas y a la cual usaría de apoyo incluso mientras estaba embarazada, ya que ella lo acompañó durante sus primeras giras. Y fue ya en 1942, durante la gala de Benny Gooman en Nueva York que su voz terminó de hacer fulgor en el corazón de los estadounidenses, ganando muchos fanáticos.
Su interpretación a través de medios de amplificación del sonido, y la manera en cómo trataba d cantar como si conversara con alguien, lo hace resaltar de muchos artistas de la misma época, explorando en aspectos de la música pop de aquel entonces y haciendo grandes avances en el ámbito musical. Además, llegó a ganar un Oscar a mejor actor secundario.
Finalmente murió el 14 de mayo del año 1998 debido a un ataque al corazón.
La historia de Supertramp se inicia en 1969. El teclista Rick Davies (nacido en Gran Bretaña en 1944) se hallaba tocando con el grupo Joint, y estaba arruinado, cuando la suerte llamó a su puerta en forma de un apasionado del rock, que reconoció en él las dotes de una estrella de rock y se ofreció para financiar su carrera.
Davies regresó a Londres para probar nuevos músicos y crear un grupo llamado provisionalmente Daddy. Uno de los elegidos fue el poliinstrumentista Roger Hodgson (nacido en 1950). Ambos funcionaron muy bien como pareja de compositores, y en torno a ellos se formó el primer núcleo de un nuevo grupo: Richard Palmer a la guitarra, Dave Winthrop al saxo y Bob Miller a la batería. Daddy se transformó en Supertramp.
El primer album del grupo, Supertramp (1970) fracasó, y Miller, tras una depresión, fue sustituido a la bateria por Kevin Currie.
El segundo album, Indelibly Stamped, (1971) fue un nuevo fracaso tras el cual Davies y Hodgson se quedaron solos.
El siguiente en ser aceptado fue el bajista Doguie Thompson (nacido en 1951) quien patrocinó la entrada de un amigo suyo, el saxofonista John Anthony Helliwell (nacido en 1945). Como bateria ficharon a Bob C. Benberg. El grupo estaba preparado. Alquilaron una fábrica del siglo XVII y se retiraron durante más de un año a componer y ensayar.
Cuando en 1974 terminaron su encierro tenian listo el que fue su álbum de éxito, y material para dos discos más. Entre Febrero y Junio de 1974 se reunieron en los estudios para grabar Crime of century. Desde el primer tema (el single Dreamer) impusieron su peculiar estilo que produjo afortunadas canciones durante al menos doce años.
Emprendieron grandes y colosales giras, y la gran cantidad de temas compuestos durante su encierro les garantizaba una puntual presencia en el mercado discográfico.
En 1976 apareció "Crisis, what crisis?" un nuevo éxito mundial. Para evitar los fuertes impuestos ingleses se trasladaron a California, y en 1977 grabaron un nuevo álbum, Even in the quietest moments.
1979 fué el año de máximo triunfo de la banda. Se vendieron mas de diecisiete millones de copias del álbum Breakfast in America, con el que iniciaron una nueva e interminable gira en la que la tensión se dejó sentir y se produjeron los primeros roces. El bajista Dougie Thompson dijo a la prensa:" Creo que necesitamos no vernos durante algun tiempo, liberarnos, purificarnos".
La "liberación" duró alrededor de tres años en los que Supertramp se reunieron sólo ocasionalmente y para escoger las grabaciones en directo que incluirian en su album Paris (1980), que siguió los afortunados pasos de Breakfast in America, aunque no añadió nada nuevo a la música de Supertramp.
En 1982 salió un nuevo album, Famous last words, que evidenciaba la ruptura compositiva entre Davies y Hodgson, quien anunció que, tras la gira para promocionar el álbum, abandonaría la banda, y así lo hizo, tras la gira mundial en 1983.
Supertramp continuó su camino sin recuperar la magia de sus anteriores grabaciones. En 1985 aparece Bother where you bound?, disco mas duro y politico que el anterior que no tuvo mucho éxito.
La compañía publicó una antología, The autobiography of Supertramp, y en 1987 el grupo presentó un nuevo album, Free as a bird, mas pop que el anterior. Emprendieron una larga gira mundial, ya sin Hodgson, y acompañados por Mark Hart (voz, guitarra y teclados), Marty Walsh (guitarra) y Steve Reid (percusiones). La gira que tambien llegó a España y quedó testimoniada por el álbum Supertramp live'88, pero el brillo de su época dorada se habia perdido irremediablemente.
"El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir entrevistando a gente que no sabe hablar para gente que no sabe leer".
Frank Zappa
Nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore, Maryland, Estados Unidos.
Su familia era de origen griego y siciliano.
Se trasladó a California, donde se crió y desarrolló toda su carrera profesional.
Con influencias de música clásica y del blues, sus discos fueron innovadoras.
En el año 1962 compró un estudio de grabación (el "Studio Z") en Cucamonga, donde grababa y producía simples de rhythm & blues.
En 1964 crea The Mothers of Invention. Conoce a Herb Cohen, su manager, con quien trabajó durante 12 años. En el año 1969 disolvió a The Mothers, situación que lo enemistó con la mayoría de los músicos que integraban el grupo, e inicia su carrera en solitario.
Autor de las letras de todos sus temas, que fueron frecuentemente humorísticas. Muchos de sus trabajos son esenciales en la historia del rock, siendo reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales, lo que le convirtió en una referente para un gran número de artistas.
En 1971, un miembro del público subió al escenario durante un show en Londres y lo arrojó al pozo de la orquesta. Canceló todos los proyectos y pasó casi un año en silla de ruedas. Publica Apostrophe y Overnite Sensation. En 1976 inició pleitos contra su compañía discográfica (Warner Bros) por "incumplimiento de contrato". En 1985 encabeza la batalla contra un grupo de mujeres de políticos que pretendía frenar a los discos de rock con letras "cuestionables para menores".
En 1988 realizó su última gira como músico de rock. Padeció cáncer de próstata, lo que no le impidió seguir componiendo y trabajando en su estudio de grabación, la UMRK (Utility Muffin Research Kitchen).
Estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman de 1960 a 1964, y volvió a casarse en 1967 con Gail Sloatman, con la que tuvo cuatro hijos.
Frank Zappa falleció en Los Ángeles, California, el 4 de diciembre de 1993.
Incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. Recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1977.
Barnwell, Carolina del Sur, 1928 - Atlanta, 2006. Cantante y compositor estadounidense. Figura fundamental en la música negra, fue uno de los más grandes intérpretes de soul de los años sesenta, para convertirse en el "padrino" del funk en la década siguiente. Entre sus grabaciones destaca el disco en directo Live At The Apollo (1962), que resume la faceta más enérgica y teatral de sus shows. Toda la música de baile posterior a él es en parte deudora de su estilo nervioso y repetitivo, ejemplificado en su clásico Sex Machine, que no llegó a las listas de éxitos por problemas con los conservadores comités de moral estadounidenses.
Su vida estuvo marcada por una serie de problemas con la justicia (posesión de estupefacientes, tenencia de arma de fuego, resistencia a la autoridad). Criado por una tía, en 1949 fue condenado a cuatro años de prisión por un pequeño hurto. Cuando salió de la cárcel se integró en un grupo llamado The Gospel Starlighters, que en 1955 pasaría a llamarse The Famous Flames. Ya con el nombre de James Brown and The Famous Flames editaron su primer sencillo, Please, Please, Please, que entró al Top 10 en las listas R&B. Su segundo sencillo, Try Me, era una balada con aires Gospel, que llegó al número uno en las listas R&B y que comenzó a dejarse oír en las listas Pop.
En 1962 se editó Night Train, uno de los temas más admirados de James Brown, y en 1963, Prisoner Of Love, que fue su primer Top 20 nacional. Pero su mayor éxito en ventas vino con Live At The Apollo de 1962, con el que sobrepasó el millón de copias vendidas. A partir de ese momento cosechó una serie de grandes éxitos en las listas nacionales, con temas como Papa's Got A Brand New Pigbag o I Got You (I Feel Good), que le hicieron popular en todo el mundo, con un marcado estilo funk, que mantuvo hasta finales de la década.
Sus éxitos continuaron en los setenta, y llegó incluso a interpretar algún papel en filmes, pero en los ochenta su actividad discográfica descendió, también debido a la fuerte entrada de figuras de color (como Prince y Michael Jackson) y de jóvenes artistas dedicados al funk, al rap y al hip-hop. Volvió a las listas de éxitos con Living In America (1986) y I'm Real (1988), año en que ingresó en prisión por cargos de drogas; reingresó poco después, culpable de asalto. En 1991 editó Love Overdue y Star Time, y al año siguiente Universal James, pero sin lograr la expectación que provocaron anteriores lanzamientos.
Histórica, esencial banda británica.
De paradigmas mod a estrellas del hard rock, ubicados en la psicodelia o impulsores de la ópera rock conceptual, los Who supieron desarrollar su capacidad e intensidad instrumental bajo el talento creativo de uno de los mejores compositores y guitarristas de todos los tiempos: Pete Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Middlesex).
A su lado se hallaban excepcionales intérpretes, dotados de una personalidad escénica muy acusada, en especial su batería Keith Moon (nacido el 23 de agosto en 1946 en Wembley) y su cantante líder Roger Daltrey (nacido el 1 de marzo de 1944 en East Acton, Londres).
El magnífico bajista John “The Ox” Entwistle (nacido el 9 de octubre de 1944 en Chiswick), de carácter más sosegado, contemplaba lo que sus salvajes compañeros destrozaban en los escenarios, conformando junto a Moon una de las secciones rítmicas más importantes que ha conocido la historia del rock.
Amantes del blues y el soul estadounidense, el legendario cuarteto inició su carrera versionando temas populares de la música negra de forma vibrante en la conjunción efervescente de sus instrumentos y la fenomenal voz de Daltrey, quien alternaba facetas como cantante con Pete Townshend.
Las improvisaciones de Moon marcaron época y ejercieron una gran influencia en el mundo del rock, al igual que las cuatro cuerdas de Entwistle y el palpitante empuje sónico guitarrero de los acordes de Townshend.
El embrión de los Who procede de las primeras incursiones musicales de Pete y John, amigos del colegio, que decidieron probar fortuna en varias bandas londinenses amateur de skiffle, como los Confederates, grupo del que formaron parte a finales de los años 50.
Unos años después pasaron por los Aristocrats y los Scorpions (nada que ver con la banda posterior homónima), grupos principalmente de carácter instrumental.
A comienzos de la siguiente década, ambos se unieron a una banda llamada The Detours, conjunto liderado por el cantante Colin Dawson en el que también se encontraba un muchacho llamado Roger Daltrey que tocaba la guitarra líder.
Daltrey advirtió la capacidad de Entwistle en los Scorpions e invitó a John a unirse al grupo como bajista.
John recomendó a su amigo Pete como guitarrista rítmico.
Poco después de incorporarse Townshend y Entwistle, Dawson dejó el grupo, reemplazándolo en tareas de vocalista Daltrey.
En ese momento, Pete pasó a ocupar el puesto de guitarra líder.
En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, decidieron llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes.
En marzo, el batería Doug Sandom abandonó su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.
Como The Who, y con la representación de Helmut Gordon, comenzaron a hacerse un hueco en los clubes londinenses tocando un enérgico R&B recibido con entusiasmo por su creciente número de seguidores, quienes admiraban su enérgico proceder musical y la fuerza desprendida en sus conciertos.
En uno de ellos, celebrado en el Marquee, Pete Townshend destrozó fortuitamente una guitarra, provocando entre la audiencia una explosión de euforia.
Este hecho fue convertido posteriormente en marca de la casa de los Who, con actuaciones violentas en las que el guitarrista rompía y golpeaba con saña su instrumento contra el suelo, interpretando la guitarra mientras saltaba sacudiendo las cuerdas con el brazo en remolino.
Keith Moon destrozaba la batería a patadas y Roger Daltrey balanceaba su micrófono de manera espectacular, un espectáculo que el bueno de Entwistle divisaba tocando de manera magistral su bajo prácticamente inmóvil.
Nació el 20 de mayo de 1944 en Sheffield, South Yorkshire, Inglaterra.
Fue el hijo menor de Harold Cocker, funcionario público, y de Madge Lee.
Tuvo su primera actuación pública a los 12 años cuando su hermano mayor Víctor lo invitó al escenario a cantar durante un concierto de su grupo.
Su primer grupo se formó en el año 1960 y se llamó The Cavalliers.
En 1961 trabajaba como aprendiz y con The Avengers tocaban en los pubs. En 1963 actuaron como grupo soporte de los Rolling Stones en su ciudad natal.
Un año después lanzó su primer simple, un cover de "I'll Cry Instead" de los Beatles. Su banda por entonces, Joe Cocker Big Blues, consiguió muchos seguidores en el norte de Inglaterra. Realizaron una gira por Francia, tocando para los soldados en las bases aéreas norteamericanas. Junto a Chris Stainton formó The Grease Band.
Asistió a todos los festivales de rock más importantes de ese año, culminando en Woodstock tocando ante medio millón de personas. Graban "Mad Dogs and Englishmen". En 1969 logró su primer número uno con una versión excelente del clásico de Lennon & McCartney "Whit A Little Help From My Friends". Tras éste fueron llegando numerosos éxitos, como por ejemplo "You're So Beautiful", "When The Night Comes" o "The Letter".
En 1970 vendió discos por valor de 3 millones de dólares solo en el mercado de Estados Unidos. Posteriormente aparecen álbumes y canciones como: "Guilty" y "The Moon's a Harsh Mistress" que se convirtieron en clásicos. Cuando comenzaban los '80 fue invitado por The Crusaders a cantar una canción que habían compuesto exclusivamente para él: "I'm So Glad I'm Standing Here Today".
También ha puesto su voz en películas tan "sonadas" como Oficial y Caballero (Up Where We Belong), 9 semanas y media (You Can Leave Your Hat On), Harry y los Henderson (Love Lives On), Los Búfalos de Durham (When A Man Loves A Woman), Un Hombre Inocente (When The Night Comes), El Guardaespaldas (Trust In Me), Benny & Joon (Can't Find My Way Home), etc.
En 1990 se editó "Joe Cocker Live" con sus mejores temas en vivo. Le siguió "Night Calls" también disco de platino en todo Europa. En 1991 grabó "Sorry Seems to be the Hardest Word" en el discoTwo Rooms, el tributo a Elton John / Bernie Taupin, que vendió
más de tres millones de copias en todo el mundo. En 1994 editó "Have a Little Faith" y en 1997 lanzó "A
cross From Midnight". En 2004 Joe Cocker presentó a sus 60 años "Heart & soul" un disco formado por la música que le ha influido en su trayectoria profesional. En él reúne una docena de versiones de temas de los años sesenta, setenta, ochenta y noventa. En 2007 aparece en la película A través del universo, interpretando "Come Together".
cross From Midnight". En 2004 Joe Cocker presentó a sus 60 años "Heart & soul" un disco formado por la música que le ha influido en su trayectoria profesional. En él reúne una docena de versiones de temas de los años sesenta, setenta, ochenta y noventa. En 2007 aparece en la película A través del universo, interpretando "Come Together".
En 1963, comenzó a salir con Eileen Webster, también residente en Sheffield, su pueblo natal. Fueron pareja de forma intermitente durante los siguientes 13 años, separándose definitivamente en 1976. En 1978, Cocker se trasladó a un rancho propiedad de Jane Fonda en Santa Barbara, California. Pam Baker, directora del campamento de verano local y fan de su música, convenció a la actriz para que dejara su casa a Cocker. Baker comenzó a salir con él y finalmente se casaron el 11 de octubre de 1987.
Joe Cocker falleció en Crawford, Colorado, Estados Unidos, el 22 de diciembre de 2014, a los 70 años, a causa de una larga batalla contra un cáncer de pulmón.
Charles Edward Berry; Saint Louis,
1931 - 2017. Guitarrista, cantante y compositor de rock and roll estadounidense. Considerado el "padre" del rock, fue él quien dio el paso del rhythm and blues al rock and roll en los años cincuenta. Autor de clásicos como Sweet Little Sexteen o Johnny B. Goode, del que se han realizado gran cantidad de versiones, logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton) como en compositores (Bob Dylan o John Lennon, ferviente admirador suyo). Su manera de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo.
Pasó parte de su adolescencia en un reformatorio como consecuencia de un robo que cometió. A principios de los cincuenta lideraba un trío de jazz y blues que tocaba por el circuito local. Su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le envía a ver a Leonard Chess y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión en aquella época dominada por el gran Elvis Presley; su carrera siguió en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.
En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por The Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia entre el público.
Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno a ambos lados del Atlántico, y volvió a ser admirado por otra nueva generación de aficionados. Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. Su actividad en los ochenta se redujo a actuaciones y apariciones esporádicas en films y a la publicación de su autobiografía.
En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode, ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972), además de su original paso del pato (con el que cruzaba el escenario de un lado a otro) y su proverbial tacañería (sus músicos le acompañaban por unos pocos dólares).
McKinley MorganField (4 de abril de 1913 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.
Nacido en Rolling Fork, Mississippi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta de Mississippi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.
La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del "cuello de botella". Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un doble bajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.
Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.
Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "I've Got My Mojo Working", "I'm your Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.
Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.
Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez una banda amplificada haciendo Hard-Rock se escuchó allí (Uno de los críticos presentes señaló se retiró al baño a escribir su crítica ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1950: "Rollin´ Stone", también conocida como "Catfish Blues". El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" esta basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love" que fue escrita por Willie Dixon, que escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."
Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).
Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 70 años de edad, y fue enterrado en cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.
Después de dejar Taste, su interesante grupo en los años 60, el irlandés Rory Gallagher, nacido el 2 de marzo del año 1948 en Ballyshannon, prosiguió su senda maestra dentro del blues rock interpretando sus sonidos con estilo y agitación emocional, deudor de los sonidos más negros del género, con especial ascendencia de nombres como Junior Wells, Muddy Waters, Albert King o Son House.
Su debut como solista se produjo con “Rory Gallagher” (1971), LP editado en Polydor con piezas como “Can’t Believe It’s True”, “Just Smile”, “For The Last Time” o “I’m Not Surprised”.
El mismo año publicó también “Deuce” (1971), uno de sus mejores discos que mostró su habilidad en la guitarra en temas como “Crest Of a Wave” o “Used To Be”.
El trabajo en directo “Live In Europe” (1972) propició que su nombre se expandiera entre los aficionados al blues-rock de primer nivelSu prolífica capacidad creativa engordó con notorios trabajos los siguientes años.
Así, “Blueprint” (1973) y “Tatto” (1973) son dos de sus mejores LPs, y el directo “Iris Tour” (1974) volvía a poner de manifiesto que Rory era uno de los subestimados dioses de la guitarra, a la altura de cualquiera de mayor renombre populachero.
Los años 70 terminaron para Gallagher con “Against The Grain” (1975), “Calling Card” (1976), uno de sus discos más celebrados con producción de Roger Glover (el bajista de Deep Purple), “Photo-Finish” (1978) y “Top Priority” (1979).
Gloriosas interpretaciones en vivo, apreciables en “Stage Struck” (1980) y el disco en estudio “Jinx” (1982), fueron los últimos LPs presentados por el músico irlandés hasta que tras un largo lapsus de tiempo regresó a finales del decenio con Defender” (1988).Fresh Evidence” (1990), editado en su propio sello Capo Records, puso punto y final a una serie de memorables trabajos para los amantes del blues, ya que el 14 de junio del año 1995 Rory falleció en Londres tras un fallido trasplante de hígado.
Tenía 47 años de edad.
Rory no se casó ni tuvo hijos.
Está enterrado en el cementerio de St. Oliver, en Ballincollig.En el año 2015 se editó el disco en directo “Irishman In New York”, grabación que recoge un concierto de 1979.
En el 2018 apareció otro directo, “The French Connection”, un álbum con una actuación en París en el año 1974.
En el año 2019, UMC/Chess publicaron el recopilatorio “Blues” (2019).
The Blues Brothers, es un espectáculo musical que se origino en un programa de televisión de la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos en el año 1978.
El programa se llamaba "Saturday Night Live" y en el "The Blues Brothers", hacian parodias cómicas y musicales, donde armonizaban diversas canciones de estilo blues y soul.
En el programa, se daba vida a dos hermanos llamados Jake y Elwood Blues, quienes los Dan Aykroyd y John Belushi.
En el espectáculo se reunia a diversos mísicos, cantantes y otras personas relaccionadas con el mundo de la música y la gran pantalla, donde estaban Tom Malone, Steve Cropper o el director de cine Martin Scorsese.
Poco a poco "The Blues Brothers", consiguió tener un elenco de musicos importantes dentro de la banda, con el que realizaron diversas actuaciones no solo en el programa de televisión, sino en diversas salas y teatros.
Gracias a este éxito se editó un primer LP, el cual llevaría el título de "Briefcase Full of Blues", donde se incluirian canciones tocadas por músicos tan importantes como Steve Jordan, que tocaba la batería, Matt Murphy, que tocaba la guitarra.
En el disco, sonaban canciones de estilo blues, rock & roll, soul y otros estilos, donde además se incluirian canciones donde cantaban artistas tan importantes como John Lennon, Neil Young, Otis Redding, Beach Boys, Bruce Springsteen, George Harrison o Keith Richards, entre otros.
Así mismo dentro del disco diversos músicos ponia a prueba su talento musical, tocando su instrumento predilecto, como era el caso de Lou Marini, en el saxo, Donald Dunn en el bajo, Alan Rubin tocando la trompeta, Barbra Streisand, poniendo su voz, Ray Charles tocando el piano y cantando o Aretha Franklin, poniendo también su voz.
Dada la buena acogida musical de la banda, se decidió en el año 1980 , realizar una película de este grupo, la cual la dirigió John Landis con el título de "The Blues Brothers", en donde se da vida a estos personajes.
En el año 1980, se editaría un nuevo álbum de la película con su banda sonora, el cual se llamaría "Blues Brothers".
Aprovechando el éxito del momento, ese mismo año se editó su tercer álbum, con el nombre de "Made in America", también con la compañia discográfica que habia cubierto las publicaciones musicales de la banda hasta ese momento, que era "Atlantic".
Después de la muerte de John Belushi, en el añon 1982 en extrañas circunstacias, la banda hizo un parón en las
actuaciones y publicaciones musicales, hasta que en el año 1990, se edita "Montreaux Live".
Poco tiempo después se lanza un nuevo álbum, el cual se llamaría "Red White & Blues", que salió al mercado musical en el año 1992.
En el año 1997, se edita un nuevo título de la banda, el cual se le daría el nombre de "Blues Brothers & Friends: Live From House of Blues".
Ese mismo año el director de cine John Landis, que dirigió en el año 1980 la película "The Blues Brothers", volvió a unir a componentes de la banda para realizar un nuevo film, este llevaría el título "Blues Brothers 2000", que vería la luz en el año 1998 y del cual se editaría un disco de la banda sonora.
Así mismo, la banda ha tocado en diversos lugares, dando diversos conciertos, entrre los que estaría el "Concierto Aniversario de Bob Dylan".
La banda no ha cesado su actividad, tocando en diversos lugares y cambiando ocasionalmente sus componentes.
Creedence Clearwater Revival (1960 – 1972) banda norteamericana de roots rock. La banda surgió por un anhelo de unos chicos pertenecientes a la secundaria en El Cerrito, ubicado en el condado de Contra Costa, California, los integrantes fueron: John Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, cuando se unieron bautizaron el grupo musical bajo el nombre de The Blue Velvets. El trío recibió la ayuda de Tom Fogerty, el hermano mayor de John, quien les ayudó para lograr algunas presentaciones y realizar algunas grabaciones en estudio. En 1964, la banda firmó un contrato con Fantasy Records, un sello discográfico independiente en San Francisco.
El dueño del sello decidió rebautizarlos The Golliwogs, con el fin de que tuvieran un nombre más cercano a las bandas británicas del momento. También se realizaron varios cambios internos, Stu Cook pasó al bajo, mientras que Tom Fogerty se convirtió en el principal guitarrista. Por su parte, John Fogerty pasó a conformar la voz principal y en ocasiones a componer, mientras que Doug Clifford continúo en la batería. La banda innovó al tener como fin revivir los sonidos del pueblo americano, dándole vida al roots rock. Su música tenia mezclas de la esencial del blues, country e incluso pop, logrando un atractivo y particular estilo musical.
Cuando la agrupación era The Blue Velvets practicaba en las afueras del condominio donde residía la familia Fogerty, pasaban horas y horas practicando en el garaje, lo anterior les sirvió para ir actuando por toda California en fiestas locales, generalmente rurales, en estos espacios su música gustó mucho ya que llevaba a los campesinos a rememorar sus épocas pasadas y sus tradiciones norteamericanas. Ahora bien, como Golliwogs publicaron su primer sencillo: Don’t Tell Me No Lies, luego siguieron otros como Where You Been, You Can’t Be True, Brown-Eyed Girl, Fight Fire, Walking On The Water, entre otros.
La mayoría de los temas mencionados estaban influenciados por la Invasión Británica, aunque mostraban luces de melodías con influencias beat y en ocasiones sonidos granjeros. La agrupación publicó Porterville, que fueron incluida en su primer LP lanzado bajo un extraño título: “Creedence Clearwater Revival” (1968), este mismo nombre fue usado por la banda para lanzar su disco principal. Este álbum contiene varios discos entre ellos I Put A Spell On You y Susie Q, ambos llegaron a los mejores puestos en las listas estadounidenses. Para 1969 John Fogerty desplegó toda su capacidad como compositor para ubicar a su grupo en las cumbres del rock mundial.
La banda tiene su primer gran éxito con el álbum Bayou Country (1969) y su single Proud Mary escalo en poco tiempo a los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las mejores canciones del año. Artistas como Bob Dylan, quedaron fascinados con este tema. Desde ese momento, los sonidos sureños empaparon el álbum con temas como Born On The Bayou, Bootleg o Keep on Chooglin’. El segundo álbum también fue extraordinario: Green River (1969), fue testigo de la madurez de John Fogerty como compositor y vocalista.
El último disco de 1969, su mejor año sin lugar a dudas, fue Willy & The Poor Boys, considerado una obra maestra. Su contenido se enfocó en los ataques a la guerra del Vietnam y diversos puntos de vista en temas sociales. Estos temas fueron aplaudidos por la crítica y por el público, por ello sus sencillos casi siempre se encontraban entre los diez más vendidos. Para inicios de la década del 70 la banda inició con el lanzamiento de Cosmos Factor y (1970) es un selecto álbum que reúne varios homenajes al rock de los 50. I Heard It Through The Grapevine fue el tema más admirado.
Ese mismo año interpretaron dicho álbum en el Royal Albert Hall de Londres. Posteriormente la banda publicó un álbum que no tuvo el mismo impactó: Pendulum (1970) a pesar de ser un estupendo trabajo. John Fogerty, decidió realizar ciertos cambios en los sonidos y el estilo de la agrupación, en parte motivado por los comentarios de algunos críticos que catalogaron al grupo de cavernícola e inmovilista, así que decidió emprender nuevas labores en la producción incorporando vientos y teclados dando vida a nuevas texturas que fueron cuestionadas por muchos de sus antiguos seguidores.
Empezaron a existir tensiones entre los integrantes de la banda, Tom Fogerty, que había sido el fundador del grupo se mostraba reacio a continuar si el predominio de su hermano proseguía. John intentó democratizar la Creedence dándole mayor participación a los otros miembros, pero Tom no aceptó la propuesta y se marchó del grupo para comenzar una carrera como solista; carrera que inició con el disco Tom Fogerty (1972) pero no obtuvo demasiada repercusión.
Mientras tanto los integrantes que quedaron grabaron Mardi Grass (1972). Fue un fracaso y demostró que la figura de John Fogerty en la Creedence Clearwater Revival era fundamental y que sin su trabajo esta banda no hubiera logrado tantos éxitos y popularidad. Las giras continuaron con cierto éxito y así publicaron Live in Europe (1974), que recogía actuaciones realizadas en el año 1971 por el viejo continente. El disco fue editado cuando la banda ya estaba disuelta por Fantasy Records, luego de que la Creedence se disolvió en el verano de 1972. John Fogerty, rechazó varias propuestas de sus antiguos compañeros reencontrarse y hacer una gira con el nombre de la Creedence Clearwater Revival.
Eagles debutó en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. El primer álbum de Eagles fue "Take it easy", cuyo primer sencillo llevaba el mismo nombre.
El tercer álbum de Eagles apareció en 1975 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas. El siguiente trabajo de la banda fue "One of These Nights", que plasmaba la desilusión de la juventud norteamericana a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituído por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.
En 1976 Eagles publica su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel california", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad norteamericana a través de las ventanas de un hotel. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aun hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. De ese álbum se extrajo una frase que pasó a formar paret del lenguaje popular norteamericano: "vivir en la vía rápida" (Life in the fast lane). Tras la aparición de "Hotel California" Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituído por por Timothy Schmit.
El sexto álbum de llevaba el título de "The Long Run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache Tonight," "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario.
En 1994, tras catorce años de separación, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir tocando. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over" (El Infierno se congela), con cuatro nuevos temas y 11 éxitos anteriores.
En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".
En octubre de 2007, tras varios años sin grabar un álbum de estudio, los Eagles publican un nuevo trabajo, titulado 'Long Road Out Of Eden'. Se trata de un doble álbum que recoge veinte nuevos temas de la banda, que continúan con la misma fuerza de siempre.
Inicialmente concebido como un combo de aristas duras de blues británico a finales de los 60, Fleetwood Mac se mudó a California, incorporó el dúo de soft rock de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks a sus integrantes a mediados de los 70 y se convirtió en uno de los grupos más populares de fines de los 70. Al combinar el soft rock con la introspección intimista de cantantes/compositores, crearon un sonido pulido pero emotivo que ayudó a que Rumours, de 1977, se convirtiera en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. La banda conservó su popularidad hacia principios de los 80, cuando Buckingham, Nicks y Christine McVie comenzaron a emprender carreras como solistas. Desde entonces, han experimentado diversos cambios e idas y venidas en la formación, pero se mantienen activos hoy en día.
Discografía de Fleetwood Mac
Fleetwood Mac (1968)
Mr. Wonderful (1968)
Then Play On (1969)
Kiln House (1970)
Future Games (1971)
Bare Trees (1972)
Penguin (1973)
Mystery to Me (1973)
Heroes Are Hard to Find (1974)
Fleetwood Mac (1975)
Rumours (1977)
Tusk (1979)
Mirage (1982)
Tango in the Night (1987)
Behind the Mask (1990)
Time (1995)
Say You Will (2003)
FLEETWOOD MAC LIVE MIRAGE TOUR 1982
Elvis Presley (Tupelo, Estados Unidos, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.
En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That's all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.
En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales, y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.
Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.
En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.
Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It's now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964).
En la segunda mitad de la década comenzó la llamada «Invasión británica», protagonizada por grupos como The Beatles y los Rolling Stones; ello conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.
Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.
Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.
Nos situamos a finales de los años 50, John Lennon había formado una banda previamente The Quarrymen; conocería a un muchacho que también tenía ganas de tocar, Paul McCartney. Los muchachos iban en serio y un nuevo miembro, un virtuoso de la guitarra, llamó entonces a las puertas del grupo para reforzarlo. George Harrison que así se llamaba el nuevo era amigo de Paul pero tenía un pequeño inconveniente, su edad, era tres años menor que John y a éste le costó mucho aceptarlo en la banda. Pero tras las presiones de Paul finalmente George fue aceptado. La banda estaba formada por John, Paul, George y Pete Best, el batería, y comenzaba a tocar en algunos clubs de Liverpool. John convenció a su íntimo amigo Stuart Stufcliffe para que gastara las 50 libras que había obtenido en un concurso de pintura en un bajo y que se uniera a la banda. En 1960 el grupo cambió el nombre de The Quarrymen por el de Silver Beatles, y los cinco pusieron rumbo a Hamburgo. En la ciudad alemana cada día tocaban durante ocho horas diarias y fueron completando su formación como músicos gracias al contacto directo con el público. En Alemania conocerían a Astrid Kirchner, una fotógrafa que se enamoró de Stuart y que fue decisiva para la imagen de la banda: Astrid diseñó su nuevo peinado.
Pero no pudieron prolongar su estancia en Hamburgo. La juventud de George les jugó una mala pasada. Los Beatles, ya se llamaban así, abandonaron el club en el que habían empezado a trabajar para hacerlo en otro. Al dueño del club en el que habían debutado no le sentó nada bien que los Beatles cambiaran de aires y reveló a las autoridades alemanas que George sólo tenía 17 años y que era demasiado joven para tener permiso de trabajo. La banda se vió obligada a regresar a Inglaterra. Con los permisos ya en regla el grupo regresó a Alemania y continuó tocando. Con muchas horas de vuelo los muchachos decidieron volver a Liverpool a excepción de Stuart, que se quedó en Alemania con Astrid. La decisión de Stuart no estuvo exenta de polémica. Stut no tocaba bien el bajo y Paul repetía una y otra vez a John que debería dejar el grupo. Stut sabedor que no había nacido para la música optó por abandonar en contra de la opinión de John y quedarse en Alemania junto a Astrid. Meses después John sufriría un gran varapalo, cuando las cosas comenzaban a funcionar para los chicos, recibieron la noticia de la muerte de Stut. John perdía a la única persona a la que realmente había estado unido a excepción de su tía Mimí. Pero la ruleta de la fama ya estaba girando y pronto llegaría el éxito.
En Liverpool comienzan a tocar en un pequeño club, The Caver. Allí Brian Epstein el propietario de una tienda de discos les ve tocar y les ofrece ser su manager. Los chicos aceptan y logran una prueba con Pharlophone. El productor George Martin queda contento con el trabajo del grupo aunque les pide que si quieren triunfar deben cambiar de batería. Los Beatles deciden prescindir de Pete Best y reclutar para su causa a Ringo Star, a quien ya conocían de su etapa en Hamburgo. De este modo John, Paul, George y Ringo graban Love Me Do y da comienzo la historia de la banda más importante de la historia de la música moderna.
La década de los 60 estuvo marcada por el éxito de cuatro muchachos que desde Liverpool llevaron su música a todos los rincones del planeta. John, Paul, George y Ringo, o lo que es lo mismo Los Beatles, se convirtieron en un fenómeno musical y social. Su legado perdurará por muchos años.
Tras Love me do llegó en 1963 Please please me, el tema con el que la banda lograría su primer número uno. Ese mismo año llegaría From me to you, She loves you y I want to hold your hand. Este sería el comienzo de una carrera que colocó cada nuevo lanzamiento en el número uno de las listas de ventas hasta el año 1967. A la publicación de los álbumes Please, Please me y With the Beatles ese año se sumaron giras y apariciones en programas de televisión. La popularidad de los cuatro muchachos comenzó a dispararse.
El 8 de abril de 1963 nacía John Charles Julian Lennon, el hijo de John y Cynthia. Además un 8 de noviembre de aquel año, John pronunciaría una de sus frases más celebres. Durante un concierto en el Royal Variety Performances y al que asistían la Reina Madre y la princesa Margarita John se dirigió al público diciendo "los de los asientos baratos, que aplaudan. Los otros" en clara referencia a la realeza, que aplaudan.
En 1964 la banda desembarca en los Estados Unidos. Su presencia se refuerza con conciertos y apariciones en programas de televisión de máxima audiencia como El Show de Ed Sullivan. La banda también comienza a tener presencia en el cine y estrenan la película A hard Day's night. John publica en este mismo año su primer libro, In this own write, que alcanzaría un grandísimo éxito tanto de crítica como de público.
El año 65 les convierte en caballeros del Imperio británico y la Reina de Inglaterra les hace entrega de la medalla. Este año lanzan Rubber Soul demostrando una evolución en su música. Además logran que 55.600 personas se congreguen en el Shea Stadium de Nueva York para verles en directo.
El año siguiente comienza con conciertos por Inglaterra, Alemania o Japón. Esos serían los últimos recitales que la banda ofrecería en directo ya que decidirían no volver a realizar gira alguna. El último concierto tiene lugar el 29 de agosto de 1966 en San Francisco. El avance musical del grupo se muestra en Revolver, para muchos el álbum más completo de la banda y uno de los mejores de la historia de la música moderna.
Este año la faceta más luchadora y comprometida de John saldría a la luz. El artista se negó a que los Beatles actuaran en Sudáfrica como protesta contra el apartheid. Además la banda deja claro su posicionamiento contra la guerra de Vietnam.
Pero 1966 pasará sin duda a la historia por ser el año en que John conoció a Yoko Ono. El músico la conoció durante una exposición sobre arte de vanguardia en la que una artista japonesa, Yoko Ono exponía sus obras en una galería de Londres. John confesaría años después que nada más verla se enamoró de Yoko.
1967 comienza muy bien con la publicación de Sgt Peepers pero desgraciadamente quedaría marcado por la muerte del que hasta entonces había sido el manager de la banda, Brian Epstein. Ese mismo año también llegaría Magical Mistery Tour.
El 68 estaría marcado por la vuelta al cine gracias a Yellow Subamrine y la publicación del álbum doble The Beatles, más conocido como el álbum blanco, The White album.
El año 69 llega con Abbey Road. Durante la grabación de la película Let it be George abandó el estudio y aseguró que nunca más volvería a tocar con los Beatles. Finalmente Paul convencería a George y el grupo tocaría por última vez en el tejado de la oficina central de Apple en Londres.
La relación entre John y Yoko se consolidó definitivamente. Ambos aparecían juntos en numerosos actos públicos. Finalmente Cynthia, la primera mujer de John pidió el divorcio, y la relación entre el músico y la artista se formalizó.
Este mismo año, John y Yoko Ono publicaron su primer disco juntos con la Plastic Ono Band, Two Virgins.
En 1970 con Let it be en la calle se formalizaría la defunción del grupo.
John Lennon nació el 9 de Octubre del año 1940, en Liverpool, Inglaterra. Hijo de Alfred Lennon, un marino mercante, y de Julia Stanley. A la temprana edad de 5 años, su madre lo dejó junto a sus tios Mimi y George Stanley, después de divorciarse de su marido.
En su adolescencia asistió a la escuela de bellas artes, en donde conoció a Cynthia Powell, quien con el tiempo sería su esposa. Junto a Cynthia tuvieron un hijo, Julian Powell Lennon.
John siempre fue un fanático de la música habiendo tocado en distintos grupos como The Quarrymen, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles. Principalmente formados por compañeros de la escuela.
En 1956, después de tocar en una fiesta, conoció a Paul McCartney a quien rapidamente lo unió al grupo por saber tocar la guitarra y además afinarla. Un tiempo después él mismo le presentó a George Harrison quien también se unió. Y finalmente, después de terminar sus estudios, el baterista Ringo Starr pasó a formar parte del grupo llamado los Beatles.
Es conciderada una de las bandas mas influyentes del rock y del pop. Fundada en el año 1957 en el mismo lugar de nacimiento de John. Después de cosechar grandes éxitos por todo el mundo, la banda se disolvió en Abril de 1970.
En ese mismo año Julia Stanley, madre de John, murió atropellada por un automóvil manejado por un policía ebrio. Provocando un trauma para John.
En el año 1966 conoció a la artísta plástica japonesa Yoko Ono, con la cual compartió el resto de su vida. Pero este amor iba a ser contraproducente para los Beatles, ya que muchos fanáticos aseguran que fue una de las principales causas de la separación de la banda.
En 1970, luego de la disolución de la banda, John Lennon comenzó una carrera solista muy exitosa grabando temas como "Whatever Gets You Through The Night", "(Just Like) Starting Over", "Power to the People" y el tema considerado como un himno, "Imagine".
En sus discos contribuyeron para la grabación de algunos temas sus amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John y David Bowie.
En 1975 Yoko dió a luz al único hijo de la pareja Sean Taro Ono Lennon. A partir de ese momento Yoko comenzó a ocuparse de los negocios y John se encargaba plenamente de su hijo. Confesó que en esos años abandonó la música por completo. Pero con el tiempo salieron a la luz algunas de sus composiciones grabadas en forma casera.
En 1980 sale a la venta su tan anciado disco llamado "Double Fantasy". El cual tuvo mucho éxito, tanto que decidió comenzar a grabar otro ese mismo año. La tarde del 8 de diciembre de 1980, a la salida de una de las grabaciones de ese disco, se encontró con un fanático llamado Mark David Chapman, quien después de pedirle un autógrafo le disparó 4 tiros que impactaron en su espalda.
John Lennon murió esa misma noche en un coche patrulla a las 23:15 en los brazos de su esposa Yoko.
JOHN LENNON LIVE AT NEW YORK 1972
Deep Purple es una agrupación de Hard Rock que se formó a inicios de 1968 en Londres, Inglaterra.
Al principio el grupo adoptó el nombre de "Roundabout". La banda estaba formada por Chris Curtis, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Dave Curtis y Bobby Woodman. Al poco tiempo de su creación, una serie de problemas internos comenzaron a darse, y la banda se desintegra, quedando como únicos integrantes Lord y Blackmore.
Posteriormente se incorpora el bajista Nick Simper, el vocalista Rod Evans, y el batería Ian Paice. Es así como la nueva alineación se divide de la siguiente manera: Rod Evans en la primera voz, Ritchie Blackmore en la guitarra, Jon Lord en los teclados, Nick Simper en el bajo e Ian Paice en batería.
Poco tiempo después firman un contrato con la discográfica Tetragrammation (EEUU, Canadá y Japón), y con EMI para cubrir Europa. A partir de ese momento pasan a llamarse "Deep Purple".
Ese mismo año aparece su álbum debut, "Shades of Deep Purple",del que se extrae el sencillo "Hush", con el que lograron ingresar al cuarto puesto de las listas americanas. La acogida que recibió Deep Purple por parte del público fue tal, que casi inmediatamente se embarcaron en una gira a lo largo de todo Estados Unidos.
Para 1969 lanzan su segundo disco, titulado "The Book of Taliesyn", y meses más tarde aparece el disco homónimo "Deep Purple".
Para aquél entonces, ocurren nuevos problemas al interior de Deep Purple. Por ello Evans y Simper se alejan del grupo e ingresan Ian Gillan como vocalista y el bajista Roger Glover.
Iniciando la década de los 70, publican el álbum "In Rock", también ese mismo año aparecen dos discos en vivo. Por un lado "Concerto for Group and Orchestra", el cual fue grabado durante una presentación del conjunto en el Royal Albert Hall de Londres en 1969, y por el otro, "Gemini Suite Live" grabado en el Royal Festival Hall de Londres junto a la Orchestra of the Light Music Society.
En 1971 sale a la venta el LP "Fireball". Con este LP, Deep Purple logró acercarse al Top 40 de USA, y al número uno en Gran Bretaña. A fines de ese año, la banda crea su propia compañía discográfica bajo el nombre de "Purple Records".
"Machine Head", su disco con mayor éxito comercial sale al mercado en 1972. De este álbum se extraen los conocidos temas "Lazy", "Highway Star" y "Smoke on the Water".
Un año después Deep Purple edita el disco en vivo "Made in Japan", el cual precisamente fue grabado durante una de las presentaciones del grupo en Japón. Cabe destacar que esta producción se convirtió en "el álbum en vivo más vendido en la historia de la música". También ese año aparece el disco grabado en estudio "Who Do We Think We Are" (1973). Al poco tiempo, Ian Gillan abandona Deep Purple, al igual que Roger Glover. En sus puestos ingresan David Coverdale como vocalista y Glenn Hughes como bajista.
En 1974 presentan el disco "Burn" en donde aparecen los temas "Burn", "Mistreated" y "You fool No One". Meses más tarde, Deep Purple publica el LP "Stormbringer".
Un año después Ritchie Blackmore se aleja de Deep Purple temporalmente, y Tommy Bolin ocupa su lugar. Sin embargo, la banda saca adelante un nuevo álbum con fusiones de funk y soul titulado "Come Taste the Band" (1975).
Con este nuevo disco realizan una gira europea, la cual estuvo llena de problemas, pues la adicción a la heroína por parte de Tommy Bolin generaró una serie de percances para la banda. Evidencia de ello queda registrada en el álbum en vivo titulado "Last Concert in Japan". A partir de este momento se inicia la decadencia de Deep Purple.
A inicios de 1976 la agrupación toma la determinación de acabar con aquél proyecto que tanta fama les había dado. De esta manera, David Coverdale se lanza como solista, y posteriormente forma parte del grupo "Whitesnake" junto a Ian Paice y Jon Lord. Por su parte, Glenn Hughes también se dedica a su carrera en solitario, mientras que Tommy Bolin tuvo un desenlace fatal a causa de una sobredosis de drogas.
Pasaron ocho años para que Deep Purple volviera a la escena musical. De esta manera en 1984 vuelven a reunirse Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice (los miembros más emblemáticos de Deep Purple), y lanzan el esperado álbum "Perfect Strangers". Con este nuevo trabajo se presentan en distintas ciudades del mundo para promocionar el disco.
Tres años después editan el LP "The House of Blue Light" y en 1989 Gillan abandona nuevamente el proyecto. En su lugar entra Joe Lynn Turner.
Deep Purple inicia la década de los 90 con el LP "Slaves & Masters" (1990). Poco tiempo después Turner es despedido, y regresa Ian Gillan.
Ya para 1993 sale al mercado "The Battle Rages On". Con este material salen de gira por USA, Europa y Japón. Tras finalizar la serie de conciertos, Blackmore decide salir de la banda e ingresa Joe Satriani temporalmente. Tiempo después se les une en su lugar Steve Morse.
A inicios de 1996, con esta nueva alineación aparece el disco "Purpendicular", con la cual hacen una gira mundial que incluye Sudamérica (Argentina, México, Brasil, Perú y Chile)
Dos años más tarde sale al mercado un nuevo LP titulado "Abandon". Este sería el último álbum de estudio en donde Jon Lord aparezca como miembro del grupo. Lord es reemplazado por el teclista Don Airey. De esta forma la banda queda finalmente conformada por Ian Gillan como vocalista, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en los teclados e Ian Paice en la batería.
En el 2003, nace el disco "Bananas", y en el año 2005 graban el álbum "Rapture of the Deep", con el que Deep Purple inicia una gira mundial.
Sex Pistols es una banda inglesa cuyo origen se remonta al año 1975.
Estuvo formada en un principio por John Lydon (Johnny Rotten), Steve Jones, Paul Cook y Glen Matlock, quien luego de un tiempo fue reemplazado por Sid Vicious, quedando con este úitimo compuesta su formación definitiva.
Todo empezó cuando el guitarrista Steve Jones, el bajista Glen Matlock y el baterista Paul Cook proyectaban formar una banda.
Ellos pasaban su tiempo juntos en una tienda de ropa llamada “Le It Rock”. El comercio era manejado por Malcom McLaren, quien era el respresentante de los New York Dolls.
En ese año, McLaren viajó a los Estados Unidos junto a su banda. Durante su estancia en el país vió al bajista y vocalista de Television, Richard Hell.
Este personaje le llamó mucho la atención principalmente por su ropa destrozada y la forma en que tenía su cabello. Eso es lo que estaba buscando McLaren como imagen para la banda de su local en Inglaterra, a la cual le había prometido dirigir como manager.
Malcom volvió a su país con una gran idea, el look de los Sex Pistols ya había sido encontrado.
Johnny Rotten solía rondar por Kings Road usando el pelo teñido de verde y una remera de Pink Floyd sobre la cual había escrito las palabras "I Hate" ("yo odio").
Creyendo que su imagen y su actitud eran las indicadas para la banda, McLaren, Jones y Cook se acercaron a Johnny y le ofrecieron ser el vocalista de su nuevo grupo, propuesta a la cual aceptó rápidamente.
La fama de los Pistols aumentó el 4 de Junio de 1976, en un show mítico ante 42 personas en el Lesser Free Trade Hall en Manchester (Inglaterra).
En el mes de octubre de ese mismo año, el sello discográfico EMI los contrató por 40.000 libras. En ese momento salió el primer sencillo del grupo titulado "Anarchy in the UK", el cual tuvo mucho éxito por su letra llena de ira, atacando a todo lo que Johnny tenía cerca, desde la realeza británica hasta las casas disqueras.
Al poco tiempo fueron expulsados del sello discográfico debido a la polémica creada por las declaraciones provocativas en lenguaje obsceno durante el programa de televisión de Bill Grundy. A pesar de lo sucedido, el grupo aumentó su fama por el exceso de atención de los periódicos en una sociedad fácil de ofender.
En los conciertos de los Sex Pistols, los asistentes se comportaban de forma muy violenta. Algunas veces incluso había golpes de puño, botellazos y todo tipo de insultos entre los miembros de la banda y el público.
En febrero de 1977 Glen Matlock abandonó la banda por problemas con los otros músicos.
Esta fue la excusa perfecta para que el amigo de Rotten, Sid Vicious, ingrese a la banda como el nuevo bajista.
A pesar de que él no tenía noción de cómo se tocaba dicho instrumento, fue parte del grupo por su actitud, la cual encajaba perfectamente con el modelo de McLaren.
En 1978 Sex Pistols se fue de gira por los Estados Unidos, en la cual no le fue demasiado bien. Esta fue la razón por la cual Johnny Rotten abandonó la banda.
Los tres miembros restantes continuaron brevemente con Edward Tudor-Pole y Ronnie Biggs como vocalistas, pero se separaron en 1979, después de la muerte de Sid Vicious el 2 de Febrero de ese mismo año.
El grupo volvió a juntarse en 1996 para la "Filthy Lucre Tour" ("gira de la ganancia mugrosa") y luego en los años 2002 y 2003.
El 24 de febrero de 2006 los Sex Pistols fueron oficialmente incluídos en el Salón de la Fama del Rock, pero declinaron la invitación a la ceremonia e insultaron al museo.
LA MUGRE Y LA FURIA SEX PISTOLS DOCUMENTAL COMPLETO
Empezó a tocar la guitarra a los siete años, inspirado en su hermano mayor Jimmie. Abandonó la escuela en 1971 y se mudó a Austin el año siguiente. Inicialmente tocó la guitarra en numerosas bandas, logrando un puesto en la banda The Nightcrawlers de Marc Benno y en la banda The Cobras de Denny Freeman, con quien siguió trabajando hasta 1977. Después formó su propia agrupación, Triple Threat Revue, cambiando su nombre a Double Trouble tras contratar al baterista Chris Layton y al bajista Tommy Shannon. Logró popularidad tras su participación en el Festival de Jazz de Montreux de 1982, y su álbum debut Texas Flood ocupó la posición número 38 en 1983, una exitosa producción que vendió cerca de medio millón de copias. Compartió escenario con Jeff Beck en 1989 y con Joe Cocker en 1990, pero falleció trágicamente en un accidente de helicóptero el 27 de agosto de 1990 a los 35 años.
Vaughan recibió una gran cantidad de premios y reconocimientos en vida y de manera póstuma. En 1983, los lectores de la revista Guitar Player lo eligieron como el mejor talento joven y el mejor guitarrista eléctrico de blues. En 1984 The Blues Foundation lo nombró el mejor instrumentalista del año y en 1987 la revista Performance lo eligió el músico de blues del año. Ganó seis premios Grammy y diez premios Austin Music y fue presentado de manera póstuma en el Salón de la Fama del Blues en el año 2000 y en el Salón de la Fama de los Músicos en 2014. La revista Rolling Stone lo ubicó en la posición número 12 entre los mejores guitarristas de todos los ttiempos. En 2015, Vaughan y su banda Double Trouble fueron presentados en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
En su infancia, Eric fué criado por sus abuelos, debido a que su madre solamente contaba con 16 años de edad, sufriendo al ser engañado cuando le han simulado hasta los trece años que su madre era su hermana, y sus abuelos, sus padres.
Cuando cumplió 13 años, Clapton recibe para uno de sus cumpleaños, una guitarra como obsequio y solo ha aprendido, formando a los 17 años su primer banda musical llamada “The Roosters”.
Posteriormente, Eric en el año 1964 se integró al grupo musical llamado “The Yardbirds”, un grupo de rock and roll con influencias del blues, y es en esta etapa que Clapton se convierte rápidamente en uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa.
Al llegar el año 1966, formó el primer supergrupo de la historia del rock, así lo llamaban, al cual tituló “Cream”, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker, con los que ha vivido solo un par de años, y allí su influencia ha sido enorme con temas tan conocidos como "Sunshine of your Love", "White Room" y el clásico "Crossroads"; han contado con presentaciones en vivo.
Tras su separación de Clapton formó otro supergrupo, esta vez llamado “Blind Faith”, nuevamente con Baker y con el músico prodigio Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich, este grupo sólo edita un disco, generando éxito en todo el mundo. Al finalizar esta etapa, Clapton se enfoca principalmente en su carrera solista, aunque eventualmente se integra a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos, con quienes ha producido uno de sus más grandes éxitos, "Layla".
Es en el año 1971, que mantuvo silencio y se descubrió que es debido a su seria adicción a la heroína, pero con la ayuda de un amigo logra superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. Luego, en los siguientes años produce varios éxitos como "Cocaine", "After Midnight" y un cover de "I Shot the Sheriff", original de Bob Marley, y es en la década del ’80, que parece debilitarse su carrera a pesar de promocionarse en varios recitales y conciertos.
Posteriormente, precisamente en el año 1991 Clapton es golpeado por la dura noticia de la muerte de su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de un edificio en Manhattan, y en memoria de él, Clapton escribe "Tears in Heaven" una canción que se convierte en un éxito masivo.
Luego al año siguiente, llega una invitación que acepta para crear la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton, la cual se convierte en la más exitosa de su carrera, ganando dos premios Grammy.
Al llegar el año 1993, al que podría llamárselo como el año de los premios para Clapton, él ha recibido 6 Premios Grammys, sumado a que además entra en el Rock & Roll Hall of Fame como parte del grupo “Cream”, y en lo que se refiere a las grabaciones aparece en varios álbumes tributo llamados “Tribute To Curtis Mayfield”, •Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix”, y “Bob Dylan 30th Anniversary Concert”. Luego, al año siguiente en el mes de septiembre se edita “From The Cradle”, el primer álbum completamente de blues grabado por Clapton y en él se recogen una colección de temas clásicos del blues, y es el que ha resultado ganador del Grammy al “Mejor Álbum de Blues Tradicional” en 1995.
En 1996, llega al mercado musical un nuevo trabajo musical, que muestra una recopilación con el título “Crossroads 2: Live In The Seventies”, el cual consiste básicamente en actuaciones en directo grabadas durante los años 70, sumado a cuatro temas en estudio no publicados anteriormente. Y en el mes de marzo, Eric ha publicado un álbum Pilgrim, seguido en el mes de julio por la inauguración de una clínica para la rehabilitación de drogadictos y alcohólicos en la isla caribeña de Antigua con el nombre de “Crossroads Center”.
Al llegar el pasado 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la historia: Robert Johnson, al cual titula "Me And Mr. Johnson" que desprende 14 increíbles versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30.
Es en el año 1971, que mantuvo silencio y se descubrió que es debido a su seria adicción a la heroína, pero con la ayuda de un amigo logra superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. Luego, en los siguientes años produce varios éxitos como "Cocaine", "After Midnight" y un cover de "I Shot the Sheriff", original de Bob Marley, y es en la década del ’80, que parece debilitarse su carrera a pesar de promocionarse en varios recitales y conciertos.
Posteriormente, precisamente en el año 1991 Clapton es golpeado por la dura noticia de la muerte de su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de un edificio en Manhattan, y en memoria de él, Clapton escribe "Tears in Heaven" una canción que se convierte en un éxito masivo.
Luego al año siguiente, llega una invitación que acepta para crear la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton, la cual se convierte en la más exitosa de su carrera, ganando dos premios Grammy.
Al llegar el año 1993, al que podría llamárselo como el año de los premios para Clapton, él ha recibido 6 Premios Grammys, sumado a que además entra en el Rock & Roll Hall of Fame como parte del grupo “Cream”, y en lo que se refiere a las grabaciones aparece en varios álbumes tributo llamados “Tribute To Curtis Mayfield”, •Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix”, y “Bob Dylan 30th Anniversary Concert”. Luego, al año siguiente en el mes de septiembre se edita “From The Cradle”, el primer álbum completamente de blues grabado por Clapton y en él se recogen una colección de temas clásicos del blues, y es el que ha resultado ganador del Grammy al “Mejor Álbum de Blues Tradicional” en 1995.
En 1996, llega al mercado musical un nuevo trabajo musical, que muestra una recopilación con el título “Crossroads 2: Live In The Seventies”, el cual consiste básicamente en actuaciones en directo grabadas durante los años 70, sumado a cuatro temas en estudio no publicados anteriormente. Y en el mes de marzo, Eric ha publicado un álbum Pilgrim, seguido en el mes de julio por la inauguración de una clínica para la rehabilitación de drogadictos y alcohólicos en la isla caribeña de Antigua con el nombre de “Crossroads Center”.
Al llegar el pasado 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la historia: Robert Johnson, al cual titula "Me And Mr. Johnson" que desprende 14 increíbles versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30.
Aretha Franklin
(Memphis, Estados Unidos, 1942 - Detroit, 2018) Cantante estadounidense de soul, género en el que destacó hasta erigirse en una de sus máximas referencias, junto a figuras como Ray Charles, James Brown o Diana Ross.
Aretha Franklin se inició en la música cantando gospel en la iglesia en la que su padre ejercía de párroco, en Chicago. Aprovechando sus excelentes dotes para la música, inició su carrera en solitario con un repertorio de música soul que conservaba la influencia del gospel, un rasgo que caracterizaría siempre su estilo.
Tras realizar sus primeras grabaciones a principios de los 60, con las que logró ya notoriedad, en la segunda mitad de la década llegó al apogeo de su popularidad y comenzó a ser conocida como la Reina del Soul o Lady Soul, sin duda gracias a la extraordinaria calidad de su voz y al vigor y expresividad de sus interpretaciones. En 1967, su álbum I Never Loved a Man vendió más de un millón de copias, y su versión del tema de Otis Redding Respect consiguió encaramarse al número uno de las listas de éxitos tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.
Con Live at the Fillmore West (1971) y Young, Gifted and Black (1971), temas en los que la cantante decidió incluir el rythm and blues en su estilo, consiguió un Grammy. Su carrera prosiguió en los 80 con colaboraciones con Annie Lennox y George Michael. Tras un paréntesis de siete años lanzó A Rose Is Still a Rose (1998), álbum en un estilo más próximo al soul en el que primó la voz y abundó en las constantes temáticas de sus letras: la religión y la condición femenina.
Ese mismo año fue la estrella central del primer concierto Divas Live, en el que Aretha actuó junto a Celine Dion, Gloria Estefan, Mariah Carey y Shania Twain. A lo largo de los más de cincuenta años de su incansable carrera, Aretha Franklin recibió incontables galardones y reconocimientos; su discografía incluye más de sesenta trabajos.
David Bowie: Discos, letras y canciones
DAVID BOWIE
BIOGRAFÍA DE DAVID BOWIE
David Bowie, cuyo verdadero nombre es David Robert Jones, nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Inglaterra. A los trece años aprendió a tocar el saxofón y comenzó a tocar en pequeños grupos de rock, influenciado por el jazz. La biografía de David Bowie se ha caracterizado por su carrera musical, las transformaciones y la experimentación, sus cambios de estilo y de look y por utilizar cualquier medio que tuviera a su alcance para desarrollar su actividad creativa: desde la música hasta el teatro, el cine o la pintura.
En 1963 David Bowie formó su primer grupo: David Jones and the King Bees y en 1966 cambia su nombre artístico por el de David Bowie, para lanzarse en solitario.
En 1969 firma contrato con la discográfica Deram Records y con ellos edita su primer álbum, 'Space Oddity', inspirado en la película '2001, una odisea del espacio'. Para celebrar la llegada del hombre a la Luna, lanza el disco en Estados Unidos a través de una productora de aquel país, lo que supone su irrupción en el mercado norteamericano.
En 1970 se casa con Angela Barnet, para la que los Rolling Stones compusieron su canción 'Angie'. En 1971 tienen su primer hijo, Zowie. En 1972 lanza un nuevo disco, titulado 'Hunky Dory'. El disco está influído por su amigo Andy Warhol y tiene un tema dedicado a Bob Dylan.
En 1972 Bowie se confiesa homosexual, aunque más tarde rectifica y dice ser bisexual. Para entonces ya se había convertido en un personaje controvertido, lo que le sirvió para vender muy bien su siguiente álbum, 'Ziggy Stardust', considerado como uno de los mejores discos de David Bowie. En este trabajo se metía en la piel de un astronauta bisexual inmerso en una epopeya intergaláctica.
Ver v�deo de David Bowie
Posteriormente publicaría 'Pin Ups', un álbum lleno de versiones de temas de la década anterior, homenajeando a grupos como los Rolling Stones, Kinks y Zombies.
En 1973 publica 'Aladdin Sane', un disco en el que confirma su capacidad creadora. Un año después edita 'Diamond Dogs', inspirado en el libro '1984', de George Orwell. En la portada aparece el propio David Bowie transformado en perro. Los censores ingleses tuvieron trabajo para 'difuminar' los genitales del perro, que aparecían en la primera edición.
En esa misma época publica 'Young Americans' (1975), 'The Man Who Fell To Earh' y 'Station To Station'(1976), 'Low' (1977), 'Heroes', 'Lodger' (1979) y 'Scary Monsters' (1980), además de colaborar con muy diversa gente, incluido el grupo Queen, con los que hizo 'Under Pressure'.
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Tras un flojo período, en 1983 volvió a resurgir con fuerza con el álbum 'Let's Dance', que le catapultó de nuevo a la cima con un nuevo aspecto y estilo. Comenzó a ser conocido como 'el duque blanco', por el vestuario que llevaba en sus espectáculos y por su cabello oxigenado. El álbum fue seguido por el titulado "Tonight", con el que intentó repetir el éxito de su anterior trabajo, pero las composiciones no tuvieron la calidad de los anteriores temas.
En 1987 Bowie publica el álbum "Never let me down", con el que se confirma el declive en la carrera musical del artista británico. En estos días revueltos de finales de los ochenta, Bowie crea un grupo musical llamado Tin Machine, un cuarteto de hard rock con el que el artista grabó dos álbumen, titulados "Tin Machine" (1989) y "Tin Machine II" (1991).
Entre ambos discos de Tin Machine, David Bowie conoció a la supermodelo de origen somalí Iman. Bowie, que llevaba más de diez años separado de Angie, se casó finalmente con Iman en 1992. Unos días antes, el cantante había participado en un concierto homenaje a Freddie Mercury en el primer aniversario del fallecimiento del vocalista de Queen. En este homenaje Bowie interpretó dos de sus temas, "Heroes" y "All the Young Dudes", y además cantó a dúo junto a Annie Lennox el tema de Queen "Under Pressure".
En 1991 la experiencia musical de Tin Machine llega a su fin y David Bowie retoma su carrera en solitario con la publicación en 1993 del álbum "Black Tie White Noise", en el que recoge amplias influencias del soul, el jazz y el hip hop. Con este álbum Bowie se aupa nuevamente en el primer puesto de las listas británicas
En 1995 se publica "Outside", un álbum en el que colabora Brian Eno y que fue subtitulado como "El asesinato ritual artístico de Baby Grace Blue: un Hiperciclo de drama gótico no-lineal". En realidad, "Outside" se centra en una serie de personajes en un mundo imaginario en vísperas del siglo XXI. Para ello, Bowie y Eno visitaron el hospital psiquiátrico Gugging cerca de la ciudad austriana de Viena, donde entrevistaron a numerosos pacientes de dicho centro, tomándolos como referencia para su trabajo.
En 1996 Bowie entra en el Salón de la fama y un año después publica un nuevo álbum, "Earthling", influenciado por la música electrónica y con composiciones del propio Bowie, junto a Reeves Gabrels y Mark Plati, colaboradores habituales en esta etapa del artista británico. El tema "I'm afraid of americans" fue compuesta por Bowie y Brian Eno y formó parte de la banda sonora de la película "Showgirls", del realizador Paul Verhoeven. En el videoclip se puede ver al cantante Trent Reznor, de Nine Inch Nails, persiguiendo a Bowie por las calles de Nueva York.
JOHN LEE HOOKER
Nació el 22 de agosto de 1917 en Clarksdale, Mississippi (Estados Unidos).
Sus primeras clases de guitarra las recibe de su padrastro, el músico Will Moore. Pasó su infancia y parte de la adolescencia en una plantación.
Comenzó como cantante de iglesia, pero la influencia de leyendas como Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake transformaron su concepción musical.
En los años 30 se traslada a Detroit para trabajar en la industria automovilística, por las noches toca en clubs de la ciudad.
En octubre de 1948 sale Boogie Chillun, que casi de inmediato es un éxito. En diciembre del mismo año edita su segundo disco Black Man Blues. Evadiendo problemas legales, aparece como "Texas Slim".
De 1949 a 1954, graba un total de 70 singles, en 21 compañías distintas, usando 10 seudónimos diferentes, como "Johnny Lee" o "Delta John". En 1952 trabaja como disc-jockey en Detroit. En 1956 graba Dimples y en 1962 hace una gira por Europa. En julio de ese año lanza Boom Boom, la canción que aparecerá en las listas de Pop durante décadas.
Fue motivo de inspiración para artistas como The Animals, The Yardbirds, The Rolling Stones y el propio Jimi Hendrix. Entre 1966 y 1974 graba para ABC Records. En 1974 le contrata Atlantic. En 1980, aparece, junto a Ray Charles y otras figuras del Ryth and Blues, en la película The
Healer con Carlos Santana, Robert Cray y George Thorogood.
A los 71 años, su figura alcanza proporciones legendarias y se convierte en un ídolo de masas entre las generaciones más jóvenes. En su última grabación, Don't look back, cuenta con réplica de Van Morrison, productor del disco. Ingresó al Salón del Rock de Los Ángeles y al Salón de la Fama Bammies, en San Francisco, y obtuvo su estrella en el Salón de la Fama del Bulevar de Hollywood. En octubre de 1998 fue honrado por el Salón de la Fama del Rock and Roll con un concierto-tributo en el que actuaron Elvin Bishop, Eddie Kirkland y Johnnie Johnson, algunos de sus mejores amigos. En 1997 recibió dos premios Grammy por su última grabación en estudio, Don´t look back.
John Lee Hooker falleció mientras dormía el 21 de junio de 2001 en San Francisco (Estados Unidos).
En 1968, Jimmy Page fundó Led Zeppelin; una de las bandas más influyentes e innovadoras de la música moderna, tras 300 millones de álbumes vendidos alrededor del mundo. La banda se levantó de las cenizas de The Yardbirds cuando Page invitó a Robert Plant, John Bonham y John Paul Jones. En 1969, Led Zeppelin lanzó su álbum debut de nombre homónimo, producido por Jimmy Page (al igual que todos los álbumes posteriores). Esto, marcó el comienzo de un reinado de 12 años, durante el cual el grupo fue ampliamente considerado como la banda de rock más grande e innovadora del mundo. Led Zeppelin continúa siendo honrado por su papel fundamental en la historia de la música. La banda fue inducida a el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1995; recibió un premio Grammy® a la carrera artística en 2005, y un año después, recibió el premio Polar Music P en Estocolmo. La banda fue honrada por su contribución a la cultura americana en el Kennedy Center Honors en 2012. En los más recientes años, el grupo se embarcó en una campaña de reedición de sus álbumes de estudio y en vivo; junto con sus sesiones de la BBC; los cuales llegaron a las listas de popularidad alrededor del mundo
Janis Joplin fue nombrada miembro del Hall de la Fama del Rock & Roll en 1995 por Melissa Etheridge, que interpretó una serie de canciones en honor a Janis en la ceremonia. "Ella levantó la bandera e hizo sitio para las mujeres en el rock & roll", dice Etheridge. "Ella fue la primera. Janis recibió a título póstumo un Grammy reconociendo su Trayectoria Musical en 2005 y también una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el 4 de Noviembre de 2013. El Diciembre de 2015, el Porsche 356 modelo 1964 de Janis Joplin fue vendido en RM Sotheby's por 1,76 millones de dólares, el precio más alto jamás pagado por un Porsche 356 en una subasta. Janis compró el coche en 1968 e hizo que lo pintaran, de punta a punta, con un diseño psicodélico. Los fans solían dejar notas a la cantante debajo del limpiaparabrisas del coche. El 11 de Enero de 2016 se cumplió el 45 aniversario del lanzamiento póstumo de Pearl, el álbum final de estudio de Janis Joplin. "A Night With Janis Joplin", el musical de Broadway aclamado por la crítica, está actualmente de gira por EEUU y Canadá.
Seguramente el mejor guitarrista de la historia de la música, con un talento excepcional para tocar la guitarra, no era lo único que sabía hacer sobre un escenario, gran músico y buen cantante.
Ha sido una de las grandes influencias, un innovador del instrumento de las seis cuerdas, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942, en Seattle.
No era un gran amante de los estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo abandonó su corta vida militar.
Su destino final lo encontró en la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su guitarra, Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un bajista con el que formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión sonora.
Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda la creatividad que llevaba dentro.
En 1965 se va a Nueva York y comienza a tocar en los clubs. Se une a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
En 1966 cuando forma los Blue Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James cuando logra conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar regularmente por los locales neoyorquinos.
Una noche que actuaban en uno de ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler.
Chandler se dió cuenta del potencial de aquel guitarrista zurdo de raza negra y nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler junto a Mike Jeffries (Jeffery) se convirtieron en sus representantes y después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) y Mitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience, que seguramente fliparían con la explosión guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix.
A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del tema Hey Joe (número 6 en listas) que tendría una espléndida continuación con Purple Haze (número 3) y The Wind Cries Mary (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.
Su primer disco llega al número 2 en el chart británico, Are You Experienced? (1967) es sin duda, uno de los mejores discos debut de un artista rock en toda la historia del género.
También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su aparición en el Festival de Monterey, en 1967 (aparición recomendada a los organizadores por Paul McCartney).
Tras grabar su cuarto sencillo, Burning of the midnight lamp que no ofreció los resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, Axis: Bols As Love (1967), otro buen disco aparecido a finales del mismo año con temas como If six was nine, Little wing o Bold as love y colaboraciones vocales de gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después llega el doble Electric Ladyland (1968), otros de los grandes discos de la historia. Las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo. El disco contiene temas como Voodo Chile (A Slight Return), Rainy Day, Dream Away o la versión de Bob Dylan All Along The Watchtower y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
Su actuación en Woodstock (en la cual estarían Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvería a resultar muy llamativa, en especial debido a su interpretación del Star-Spangled Banner.
Los tres grabarían el Lp en directo Band of Gypsies (1970), que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
El estilo funky de la batería de Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda en pleno concierto en el Madison Square Garden.
Un desorientado Jimi recuperaba al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble, Firts rays of new rising sun, disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Monika Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el genio de la guitarra contaba solamente con 27 años de edad.
Banda de rock británica que gozó de gran fama desde mediados de los setenta y durante toda la década de los ochenta; la espectacularidad y dinamismo de sus actuaciones y la asimilación al rock de tendencias jazzísticas, sinfónicas y operísticas fueron algunas de las claves de su éxito, tan abrumador que sus discos fueron superventas incluso después del fallecimiento en 1991 de su líder, el cantante Freddie Mercury. Creado en 1970, el grupo estuvo formado por Freddie Mercury (voz), Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería) y John Deacon (bajo).
Los orígenes de Queen se remontan al inicio de los sesenta, cuando el joven guitarrista Brian Harold May (nacido en 1947) comenzó a tocar en un grupo semiprofesional llamado 1984. Experto conocedor de varios instrumentos de cuerda, May diseñaba incluso sus propias guitarras, conocidas posteriormente como el modelo May. Brian May pasó después a formar parte de otra banda, llamada Smile, con la que editó un single. Inesperadamente, Tim Stafell, el cantante de Smile, abandonó la formación; para buscar su sustituto, los miembros de Smile decidieron hacer una prueba al cantante del grupo Sour Milk Sea, que no era otro que Freddie Mercury, y fue rápidamente admitido.
Por aquel entonces Freddie Mercury ya estaba acostumbrado a aparecer en público y sobre el escenario con vestimentas llamativas y atrevidas. Freddie contaba con una prodigiosa voz y sobrados conocimientos de piano. A esto se unió una base rítmica firmada por John Richard Deacon (nacido en 1951) al bajo y la batería de Roger Meadows Taylor (nacido en 1949). Fue Mercury quien convenció al resto de la necesidad de una refundación, empezando por un cambio de nombre; de este modo, en 1970, nació Queen.
El grupo comenzó a grabar maquetas y la compañía discográfica EMI, después de verlos actuar en el Marquee de Londres, se interesó por ellos. Ya en 1973, Queen se encerró por primera vez en los Trident Studios de Londres para grabar, bajo la supervisión de Roy Thomas Baker en los controles, su primer trabajo, Queen I, demostración de un rock agresivo, con el sonido que en adelante caracterizaría a la banda. Le siguió, a principios de 1974, Queen II, en plena evolución y búsqueda de madurez.
A Sheer heart attack, de 1974, fue para muchos un álbum de transición. Incluía temas como Brighton rock o Now I´m here. El siguiente, A night at the opera, sería el disco que llevaría al estrellato a Queen y consagraría a sus miembros como dignísimos sucesores de The Beatles o de los Rolling Stones. En 1975, el single de lanzamiento Bohemian Rhapsody fue un éxito mundial. La diferencia más notable respecto a trabajos anteriores radica en la intervención de todos los integrantes del grupo en la composición de los temas que integran el álbum, que anteriormente estaba en manos de May y Mercury.
Al año siguiente editaron otro elepé que fue la continuación del éxito anterior: A day at the races. En News of the World (1977), en cambio, se aprecian nuevos elementos; la capacidad compositora de cada uno de los componentes llegó a su punto álgido en canciones como We are the champions, que sería en adelante un tema imprescindible en todos los conciertos de la banda.
El álbum Jazz (1978) vino a iniciar una época de transición en la que las giras vinieron a salvar el grupo de lo que parecía una crisis creativa. En 1979 se editó el directo llamado Live killers. La marcha de Roy Thomas Baker de los controles contribuyó en 1980 a que prosiguiese la evolución del grupo, tal como se evidencia en The game (1980). Ese mismo año Queen tuvo su primera experiencia en el cine, componiendo la banda sonora de Flash Gordon de Dino de Laurentis.
Tras el recopilatorio de 1981, se editó Hot space, en el que compartieron el tema Under Pressure con David Bowie; el álbum fue criticado por sus más acérrimos seguidores. Tres años más tarde, en 1984, se editó The works, el disco que devolvería a Queen la popularidad perdida. El éxito comercial volvió de la mano del elepé A kind of magic, que contiene el célebre tema Who wants to live forever. El álbum se utilizó en las bandas sonoras de las películas Iron Eagle y Los inmortales. Después de una macrogira saldría el directo Live Magic, y el grupo decidió tomarse un respiro.
En 1989 se lanzó The miracle. El último elepé en estudio editado con anterioridad al fallecimiento de Freddie Mercury, víctima del sida, llevó el título de Innuendo. Tras la muerte de Freddie, Brian May comenzó a editar en solitario, y en noviembre de 1995 se publicó su álbum Made in Heaven, grabado en los estudios de Montreaux, en cuyas proximidades residía el líder del grupo en sus momentos de descanso.
Al fallecimiento de Mercury siguió el retiro del bajista John Deacon en 1997, pero no la extinción definitiva de Queen. En 2002, Brian May y Roger Taylor proyectaron la puesta en marcha del musical We will rock you, un espectáculo para trasladar a los escenarios de medio mundo los temas más populares del grupo. Por otro lado, May anunció en diciembre de 2004 que la banda se embarcaría durante 2005 en una gira mundial en la que el lugar de Freddie Mercury sería ocupado por Paul Rodgers, el que fuera cantante de Bad Company (antes se habían barajado otros nombres, como George Michael).
Aunque su éxito fue relevante, la nueva formación, bautizada como Queen + Paul Rodgers, tuvo una vida efímera; la colaboración con Paul Rodgers finalizó en 2009. Tampoco ello significó el final de Queen: en 2011 los supervivientes Brian May y Roger Taylor se unieron al vocalista estadounidense Adam Lambert para crear Queen + Adam Lambert, banda que sigue activa en la actualidad.
Grupo británico de pop rock, integrado originalmente por Syd Barret (Cambridge, Reino Unido, 1946), Nick Mason (Birmingham, id., 1945), Roger Waters (Cambridge, Reino Unido, 1944) y Richard Wright (Londres, 1945). El grupo pasó por dos etapas bien definidas, la primera con Roger Waters y Syd Barret como líderes creativos (papel que asumió el guitarrista David Gilmour cuando aquél fue expulsado por sus problemas con las drogas), y la segunda tras la marcha de Roger Waters.
Principales herederos y continuadores de una línea que se hallaba ya en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) de The Beatles, su estilo musical psicodélico y las espectaculares puestas en escena de sus conciertos les confirieron una personalidad propia dentro del mundo de la música popular, hasta el punto de ser considerados como los padres de un nuevo género que se denominó rock sinfónico; desde Queen, David Bowie o Yes hasta Guns N' Roses, Chris Martin y Faith No More, los grupos e intérpretes coetáneos y posteriores que recibieron su influencia serían innumerables.
Su popularidad mundial se empezó a gestar con la publicación, en 1973, del disco Dark side of the moon. En 1980 publicaron el que se convirtió en el disco más reputado del grupo, The Wall, del que tres años más tarde se extraería el filme animado del mismo título, protagonizado por Bob Geldof.
En 1983, y coincidiendo con el abandono de Waters, cuyo excesivo protagonismo había enrarecido la convivencia en el seno del grupo, éste se disolvió. Cuatro años más tarde, Mason, Wright y Gilmour se reunieron de nuevo, lo que originó un proceso judicial entablado por Waters sobre la propiedad del nombre original. Resuelto el caso a favor de David Gilmour y compañía, el grupo Pink Floyd regresó al mundo de la música con un disco que se convirtió en un éxito inmediato, A momentary lapse of reason (1987).
Biografía de Bob Dylan
Robert Allen Zimmerman (24 de mayo de 1941) es el nombre de pila del cantautor, músico y poeta Bob Dylan. En la biografía de Bob Dylan conocerás quién es este famoso artista, considerado una gran figura debido a que sus poéticas letras dejaron huella a mediados del siglo XX e inicios del XXI.
Inicios de Bob Dylan
Robert Allen tuvo una infancia completamente normal. Nació en Duluth, Minnesota, y a mediados de 1947, la familia del cantante tomó la determinación de mudarse a una pequeña localidad.
Una vez establecidos en su nuevo hogar, el pequeño empezó a interesarse por la música. Así fue como practicó con algunos instrumentos como el piano y la guitarra, además de tener cierta afinidad por la poesía.
Para el año 1959, Robert incursionó en la Universidad de Minnesota. Ese viaje le brindó la oportunidad de explorar nuevos horizontes, y comenzó a adentrarse en la gran ciudad, lo cual cambió radicalmente su forma de ver el mundo.
Estando allí, conoció varios estilos musicales que posteriormente influenciaron su carrera. Entre ellos, figuran la música country, el folk y el rock.
Emocionado por esos nuevos sonidos, Robert decidió aprender cada vez más del mundo musical, por lo que dejó a un lado sus estudios e inició una carrera como solista. En ese momento, decidió cambiar su nombre a Bob Dylan.
Eligió su nombre artístico en honor al poeta Dylan Thomas, por quien sentía gran admiración.
El poeta de la música folk
Después de abandonar los estudios universitarios, Bob Dylan se presentó en varios bares y locales nocturnos. Asimismo, se encaminó en un viaje a Nueva York donde comenzó a componer. Estando allí, conoció a varios exponentes del género, y leyendas del folk a los cuales admiraba.
Años más tarde, realizó algunas presentaciones y después de establecerse, consiguió aparecer en un artículo del New York Times. Para 1962, la discográfica Columbia Pictures contactó con el solista para hablar sobre la firma de un contrato, y posteriormente grabó su primer disco titulado “Bob Dylan”.
A partir de ese momento, Dylan creó un estilo único recuperando la música folk, a la cual más tarde le agregó letras simbólicas llenas de contenido real. Estas letras fueron consideradas en la época como «muy influyentes y significativas para los jóvenes del país».
En 1963, Bob Dylan grabó su segundo disco titulado “The Freewheelin’ Bob Dylan”, el cual obtuvo buenas críticas y mostró gran aceptación en el mercado estadounidense. Una de las razones por la cual este disco causó tanto impacto, fue la canción «Blowin’ In The Wind», ya que prácticamente se convirtió en un himno para los jóvenes que simpatizaban con el estilo de Dylan en ese entonces.
En los años siguientes, Dylan se hizo cada vez más popular, variando su estilo con la introducción del rock and roll, pero nunca cambió sus letras, ya que decía que eso era lo que lo hacía diferente. Es así como en 1964 llegó su tercer álbum, “Times They Are A-Changin”, y un año después grabó “Highway 61 Revisited”.
En 1966 logró ser acogido en París, Europa. Pero, un accidente en motocicleta, mermó durante unos años su carrera musical.
Bob Dylan y su paso por la gran pantalla
Bob Dylan no solamente dedicó su carrera artística a la música, también se involucró en el mundo del cine. En 1970 compuso la banda sonora de la película, “El precio del fracaso” y, posterior a eso, colaboró también en la parte musical del filme “Pat Garret y Billy The Kid”.
En esta última, participó con un papel pequeño interpretando a “Alias”, un pandillero que pertenecía al gremio de Billy, cuya historia se basó en hechos reales. La película estuvo bajo la dirección de Sam Peckinpah.
Además, en 1975 produjo su primera y única película:
“Rena
The Doors, una de las bandas de rock más influyentes y controvertidas de la década de 1960, fue formada en Los Ángeles en 1965 por los estudiantes de cine de la UCLA, Ray Manzarek en teclados y Jim Morrison como vocalista; con el baterista John Densmore y el guitarrista Robby Krieger. El grupo nunca agregó un bajista, y su sonido fue dominado por el trabajo del órgano eléctrico de Manzarek y la profunda y sonora voz de Morrison, con la que cantó y entonó sus letras altamente poéticas. El grupo firmó con Elektra Records en 1966 y lanzó su primer álbum, The Doors, con el éxito "Light My Fire" en 1967.
Al igual que "Light My Fire", el álbum debut fue un éxito masivo y perdura como una de las grabaciones más emocionantes e innovadoras de la era psicodélica. Mezclando blues, música clásica, oriental y pop en melodías siniestras pero seductoras, la banda sonaba como ninguna otra. Con sus voces ricas y escalofriantes y sus visiones poéticas y sombrías, Morrison exploró las profundidades de los aspectos más oscuros y emocionantes de la experiencia psicodélica. Su primer esfuerzo fue tan estelar que, de hecho, la banda se vio presionada para igualarlo, y aunque sus siguientes álbumes contenían una gran cantidad de material de calidad, el grupo también comenzó a enfrentarse a las limitaciones de sus visiones temerariamente inquietantes. En su tercer álbum, habían agotado su reserva inicial de composiciones, y algunas de las pistas que idearon apresuradamente para satisfacer la demanda pública, eran claramente inferiores e imitativas de su mejor trabajo inicial.
En The Soft Parade, el grupo experimentó con secciones de bronce, con resultados mixtos. Acusado (sin mucho mérito) por gran parte del rock underground como vendidos al pop, el grupo cargó duramente con los dos últimos álbumes que grabaron con Morrison.
Desde el principio, el enfoque de The Doors fue el carismático Morrison, quien se mostró cada vez más inestable en la breve carrera del grupo. En 1969 fue arrestado por exposición indecente durante un concierto en Miami, un incidente que casi descarrila a la banda. Sin embargo, los Doors lograron producir una serie de exitosos álbumes y sencillos hasta 1971, cuando, al finalizar LA Woman, Morrison se mudó a París. Murió allí, al parecer de una sobredosis de drogas.
Las tres integrantes sobrevivientes intentaron continuar sin él, pero finalmente se disolvieron. Sin embargo, la música de The Doors y la leyenda de Morrison continuaron fascinando a generaciones sucesivas de fanáticos del rock: a mediados de los 80, Morrison era una estrella tan grande como lo había sido a mediados de los 60, y el sello Elektra había vendido grandes cantidades de los álbumes originales del grupo, más reediciones y lanzamientos de material en vivo a lo largo de los años, mientras que los editores inundaron las librerías con biografías de The Doors y Morrison. En 1991, el director Oliver Stone filmó The Doors, una película sobre el grupo protagonizada por Val Kilmer como Morrison.
Los tres miembros restantes de The Doors, Manzarek, Densmore y Krieger, participaron en diversas actividades musicales en las décadas posteriores a la muerte de Morrison, pero nunca vieron éxitos en los niveles originales. Después del cambio de milenio, Manzarek y Krieger tocaron en vivo bajo el nombre de Doors of the 21st Century con el cantante Ian Astbury de The Cult en las voces; se produjo una batalla legal cuando Densmore presentó una demanda contra sus antiguos compañeros de banda por el uso del nombre Doors. Ray Manzarek murió en mayo de 2013 en Rosenheim, Alemania, después de luchar contra el cáncer de las vías biliares; tenía 74 años. El 12 de febrero de 2016, Krieger y Densmore se reunieron en homenaje a Manzarek en el concierto benéfico Stand Up to Cancer. Más tarde ese año, las primeras cintas en vivo conocidas de The Doors se lanzaron como London Fog 1966, y a principios de 2017, los Doors celebraron su 50 aniversario con reediciones de lujo de su álbum debut y Strange Days, junto con un nuevo recopilatorio llamado Singles.
La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, Little Boy Blue & Blue Boys, junto a Jack Taylor.
En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: The Rolling Stones, estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, Rolling Stones Blues. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.
Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, Come On, una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.
En 1964 publican el primer álbum, The Rolling Stones, el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por ellos. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a hacer versiones. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.
Fuera del escenario los expertos en marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.
En enero de 1965 salió su segundo disco, Rolling Stones 2, para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul.
Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que demostrar su capacidad creativa. Por ello, su mánager les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum Out Of Our Heads, seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores.
En 1966 lanzan al mercado Aftermath, compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos.
En 1967 se edita Between The Buttoms, que se vió salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias de las canciones.
Con el Lp Their Satanic Magesties Request se llevaron uno de sus fracasos. Intentaron imitar el Sgt. Peppers de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico.
En 1968 publicaron Beggars Banquet, lo que supuso la vuelta a la esencia de los Rolling. Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra.
En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, Let It Bleed, una réplica irónica al Let it Be de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool planteaba su disolución. Este disco les encarama definitivamente en la cima del rock mundial.
En 1971 editan Brown Sugar, el primero con su propio sello discográfico y Sticky Fingers, el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental. Con el fin de ahorrarse impuestos los Stones deciden trasladar sus cuentas a Francia.
En 1972 publican un doble disco, Exile On Main Street, un disco de calidad y muy ambicioso. Pretendía ser la puerta de entrada para una gran gira por Estados Unidos y había que cautivar al público. Fue número uno en Inglaterra y en USA.
La década de los setenta avanzaba y los Rolling continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban Goats Head Soup y en 1974 It's Only Rock'n Roll, para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían eso: Es sólo rock and roll. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron Wood, ex The Faces. También editaron un álbum en directo, Love You Live.
Hasta 1978 no sacaron su siguiente disco de estudio, Some Girls, considerado por la crítica como uno de sus mejores discos.
La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Stones con la CBS. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como Emotional Rescue, seguido de Tattoo You en 1981, Stiff Life en 1982, Undercover en 1983 y Dirty Work en 1986.
El disco que elevó la calidad media de la década fue Steel Wheels, de 1989, en el que basaron una nueva macrogira mundial y un nuevo álbum en vivo basado en dicha gira, Flashpoint.
En 1990 realizan una gira por Japón y Europa, en la que fueron seguidos por más de dos millones de espectadores y generando unos ingresos cercanos a los doscientos millones de dólares.
En 1994 publican un nuevo disco, Voodoo Lounge y un año después sacan a la luz Rock And Roll Circus, grabado en 1968 y que nunca había sido publicado.
En 1995 editan Stripped y en 1997 Bridges To Babylon, con el que comienzan una nueva gira por todo el mundo con infinidad de conciertos y que les generan unos grandes ingresos.
Después de varias giras y la publicación de discos en directo y recopilatorios como Forty Licks (2002) y Live Licks (2004), en 2005 regresan con nuevo disco de estudio A Bigger Bang y nueva gira mundial de presentación.
A finales de los años sesenta, Marc Bolan, nacido en 1947 como Mark Feld, fundó un dúo llamado Tyrannosaurus Rex. Su primer compañero fue Steve Peregrine Took, quien fue reemplazado por Mickey Finn.
En 1970 acortaron su nombre a T Rex y comenzaron a tocar melodías de rock simples y pegadizas Su primer sencillo "Ride a White Swan" se convirtió en un éxito instantáneo y subió al #2 en el Reino Unido En 1971 y 1972, T Rex inventó el Glam Rock y dominó la escena en Gran Bretaña, mientras fortalecía la sección rítmica con Steve Currie (bajo) y Bill Legend (batería) Le siguieron una fila interminable de singles exitosos (cuatro de ellos #1 en Inglaterra) y dos álbumes muy exitosos Europa también estaba infectada, pero Estados Unidos se mantuvo relativamente poco impresionado.
En 1973, el año dorado del glam rock, su fama comenzó a disminuir lentamente, pero todavía tenían los diez mejores éxitos Bolan se convirtió en un gran bebedor y un tirano con síntomas evidentes de megalomanía A partir de 1974 comenzó a cambiar la formación de la banda como su ropa interior La música sufrió de experimentos y falta de inspiración Nunca tuvo otro éxito entre los diez primeros.
En 1977, la condición de salud de Bolan cambió para mejor. Obtuvo un programa de televisión propio y algunas bandas nuevas, como The Damned, inesperadamente lo declararon el "Padrino del punk" En la madrugada del 16 de septiembre de 1977, Marc Bolan murió en un accidente automovilístico en Barnes, Londres, mientras que su segunda esposa, Gloria Jones, sobrevivió.
La historia de T Rex parecía haber terminado con su fundador y autor intelectual. Pero en la década de los noventa, su antiguo compañero de banda y algunos otros músicos reaparecieron repentinamente como T-Rex de Mickey Finn, tocando todos los éxitos dorados en festivales nostálgicos. En enero de 2003, el adicto a las drogas Finn también murió, pero la banda todavía está presente, ahora y nuevamente, simplemente se llama T Rex.
Historia de AC/DC
AC/DC (1973), banda de hard-rock. Se constituyó en Australia, gracias a dos hermanos escoceses, Malcolm y Angus Young. El nombre del grupo son las iniciales en inglés de Corriente alterna/ Corriente continua. Angus era apenas un adolescente cuando decidió conformar el grupo. A pesar de su corta edad y presunta escasa madurez, este chico tenía grandes aspiraciones en la música inspirado en su hermano George Young, integrante de la banda Easybeats, que había cosechado un gran éxito con el tema Friday On My Mind.
En 1963 sus padres deciden abandonar Gran Bretaña para iniciar una nueva vida en Sidney, Australia. Los hermanos Young crecieron en esta ciudad y quedaron fascinados por el blues, el rock’n’roll de Chuck Berry y bandas como los Rolling Stones, los Who y los Kinks. Al terminar la preparatoria en Ashfield Boys High School, los hermanos deciden mudarse a Melbourn, donde conocen al baterista Colin Burgess, ex-Master’s Apprentices y al bajista Larry Van Kriedt. Con el paso del tiempo, los hermanos les plantean la idea de unirse como grupo, al tiempo se les unió Dave Evans como vocalista. Al pasar los ensayos van dando carácter a esta banda en crecimiento.
La primera actuación en directo se produjo el día de fin de año de 1973 en el Chequers Nightclub, en donde interpretaron con su toque musical temas de Chuck Berry, Elvis Presley y Rolling Stones, además tocaron sus primeras composiciones, como Sunset Strip o The Old Bay Road. Más tarde firmaron para Albert Productions de EMI de Australia y Nueva Zelanda. De esta forma, con la banda ya conformada, realizan su primera gira por Australia, iniciaron su trabajo en el primer álbum. Luego de la gira, AC/DC sufrió afrontó algunos cambios en su formación, retirándose del grupo Larry Van Kriedt y Colin Burgess, que fueron sustituidos por Rob Bailey y Ron Carpenter.
La ultima baja del grupo se dio con el paso al costado del vocalista Dave Evans, sustituido por Ronald Belford, más conocido como Bon Scott, antiguo baterista y cantante de bandas como The Spektors, The Valentines o Fraternity. Scott fue muy importante porque aportó un estilo particular, un estilo agresivo de chicos inadaptados que les acompañó a lo largo de su carrera. AC/DC no dimensiono la importancia de Scott hasta que, gracias a sus letras empapadas de sarcasmo y erotismo, de tendencia combativa, y su presencia en escena, junto a los hermanos Young, le convirtió en uno de los líderes de banda más magnánimos de la historia del rock.
ACDCEn 1975, aparecen en Australia los dos primeros álbumes de AC/DC, titulados High voltage y T.N.T. Y con ellos, dos nuevos integrantes de la banda el bajista Mark Evans y el batería Phil Rudd. Un año más tarde firman contrato con la discográfica Atlantic Records, quienes editan High voltage para el Reino Unido. Además, organizan una gira por Europa, con la que ganaron una valiosa experiencia, tocando junto a grandes del hard rock, como Kiss, Aerosmith, Styx, Blue Öyster Cult y Cheap Trick. Ese mismo año publican su primer trabajo de estilo británico: Dirty deeds done dirt cheap. Discos minimalistas de rock clásico, fueron recibidos con entusiasmo por los amantes del rock, aunque todavía no alcanzaba un público masivo.
Evans es sustituido por Cliff Williams en 1977. Tiempo después, Cliff apunta su primera participación en un álbum de AC/DC, llamado Let there be rock, su acogida fue asombrosa, resultó ocupando el lugar número uno de las listas americanas. Se puede pensar que luego de este álbum, la banda ganó millones de fanáticos. En 1978 estrenan Highway to hell, un álbum con ventas millonarias y que entró en los primeros puestos de todas las listas musicales, gracias a este ganaron numerosos discos de oro. Poco después, cuando se encontraban en su mejor momento, la desgracia llegó al grupo, Bon Scott fue hallado muerto el 19 de febrero de 1980, por ahogamiento e intoxicación, debido al abuso en el consumo de alcohol tras una desenfrenada fiesta nocturna en el bar MusicMachine, ubicado en Sidney. Tenía 33 años en el momento de su muerte. La familia de Scott despidió sus restos en el cementerio de Fremantle, en Perth lugar a donde habían emigrado durante la infancia de Bon.
En su reemplazo ingresó Brian Johnson, ex vocalista del grupo Geordie, quien se acomodó al estilo de la banda y fue acogido por todos. El siguiente trabajo de AC/DC fue Back in black, en 1980, fue número uno en Inglaterra y Estados Unidos, vendiendo más de 10 millones de copias. Actualmente se aproxima que se han vendido 44 millones de copias del álbum, siendo uno de los más vendidos de la historia de la música.
En 1981 Simon Wright entra a la banda para ocupar el puesto de baterista, debido a la decisión de Phil Rudd de abandonar la banda, luego de un fuerte altercado con Malcolm Young. Dos años después, sale al mercado Flick of the switch, el primer disco producido por Angus y Malcolm. Este en realidad no tuvo tanta acogida, y generó un leve decaimiento artístico y comercial de la banda. En octubre de 1984, editaron ’74 Jailbreak un mini-LP con recopilaciones inéditas para conmemorar su aniversario número 10.
El álbum de 1990, The Razor’s Edge, producido por Bruce Fairbairn, volvió a recoger ventas considerables. A la vez, sus locos conciertos en vivo resultaban, como siempre, espectáculos de gran calibre. Con este album se situaron en el top 1 durante más de un año consecutivo. Durante cuatro años gozaron de cierta estabilidad. En otoño de 1995, publicaron Ballbreaker, producido por Rick Rubin, vendió un millón de copias en los primeros seis meses. Los éxitos no pararon, aparece bajo el título de Ballbreaker, con Phil Rudd de nuevo en el grupo. El disco fue un formidable éxito, vendió varios millones de copias en el mundo, y fue de los más sonados en Norteamérica.
Historia de The Police
The Police (1977 – 2008) banda de rock. La banda se conformó por la unión de Sting, cantante y bajista, Stewart Copeland, batería, y Henry Padovani, guitarrista, quien pronto fue sustituido por el experimentado Andy Summers, ex integrante de bandas como The Animals o Zoot Money. La banda nació cuando Stewart Copeland, batería de Curved Air, acudió a un concierto de Last Exit, en donde actuaba Sting. Él quedó fascinado por la excepcional presencia escénica de Sting y decidió buscarlo para invitarlo a su nuevo grupo.
Así que, luego de varias indecisiones Sting se dirige a Londres, se traslada con su mujer, su bebé y a su perro en un automóvil. Días después se reúne con Henri Padovani y de aquí surge la primera formación de The Police. Luego de lanzar el tema Roxanne el 21 de marzo de 1978, rápidamente The Police obtuvo un contrato con A&M Records. Pero, la situación se tornó compleja cuando la BBC aseguró que Roxanne posee una letra ofensiva para los oyentes y bloquea su transmisión. Como reacción Sting escribió una carta a la emisora nacional inglesa cuestionando tal decisión, finalmente el single sólo se convierte en un fenómeno informal.
El 17 de noviembre de 1978 se publicó su primer álbum: Outlandos d’amour, un conjunto de canciones agresivas y descaradas. Uno de los temas más populares del disco es, sin duda, Born in the 50’s se convirtió en un himno de esta generación. Al año siguiente comienzan a trabajar en su segundo álbum, en ese mismo año se presentó al público la película ‘Quadrophenia’, basada en la obra conceptual de The Who, Sting hace el papel de jefe de los mods. El 5 de octubre de 1979 finalmente se publicó el segundo álbum: Regatta de blanc. Luego, la agrupación dio un gran concierto en el Terminal Island, San Pedro, California.
The Police, ganó varios titulares en la prensa cuando realizó un concierto en el patio de la cárcel, y al finalizar regaló todos sus equipos a los presos. En diciembre, Walking on the moon llega al primer puesto de las listas británicas y The Police realizó una mini-gira por Alemania y el Reino Unido. La popularidad de la banda hizo que lanzaran su tercer álbum Zenyatta mondatta, pero a pesar de llevar a cabo giras por varios países del mundo se catalogó este álbum como el de menos calidad en toda su carrera. Sting aseguró que esto sucedió por la ligereza con la que se hizo. The Police comenzó a replantear su trabajo artístico, decidieron retomar el aire original de la banda mezclándole con nuevas fuerzas espirituales y morales.
Sting, proponer varias innovaciones en el saxofón, que toca el propio Sting, esto lo podemos observar en el tema Invisible sun. Este tema es triste y el vídeo oficial es aún peor, revela crudas imágenes de una Irlanda inmersa en la guerra civil. El vídeo es censurado por la BBC, pero a pesar de ello logró resurgir la popularidad de este famoso grupo. Sting participó en el concierto anual “Secret Policeman’s Concert” en el Royal Albert Hall, en donde se encontraba: Eric Clapton, Phil Collins, Jeff Beck, Donovan y Bob Geldof. Sting sorprendió con una emocionante actuación en solitario. Después, The Police, intervino en el tema final del concierto.
Sting grabó su primer single en solitario, Spread a little happiness, banda sonora de la película Brimstone and Treade. Antes de la banda realizar una pausa, participaron en el US Festival de San Bernardino, junto a Jackson Browne, Fleetwood Mac y Talking Heads. Vuelven al estudio pero Sting se ausenta por varias semanas al participar en el rodaje de la película Dune, de David Lynch, que se estrenará, para recaudar fondos en apoyo a un proyecto de beneficencia. La banda impacta a su público con Synchronicity, un álbum con ritmos cerrados y lirismos que reflejan todo el trabajo del grupo durante su existencia. Este álbum también es reconocido como gran influencia en la música de este periodo.
The Police ha sido una de las bandas de rock que ha llevado una trayectoria calmada y casi sin sobresaltos, ni controversias entre sus integrantes. Esto también gracias a su manager Miles Coperland. The Police ha enamorado con sus canciones que tratan sobre diversas experiencias de la vida, mucha de las letras son producto del ingenio de Sting. En adelante lanzaron temas como: Love in the seventh wave, Every breath you take: Every cake you make, every leg you break, Russians, The children crusade, We work the black seam, en este tema sentaron una voz de protesta frente a la situación de los mineros ingleses.
Expusieron su rechazo a la energía nuclear y su apoyo a energías como la que se extrae del carbón. La banda llevo a cabo varios conciertos en París y luego Japón, Canadá y Europa. La última etapa es Inglaterra, donde, en enero, la banda da un concierto en el Royal Albert Hall. Para 1986 se editó el álbum Every breath you take-The singles, que incluye lo mejor del repertorio de The Police, algunos con nuevos arreglos. Un año después Sting, apareció en el Lp temas de Stewart Copeland, Bob Marley, R.E.M., Alarm y The Bangles. Para ese periodo Sting alista la creación de lo que sería un nuevo álbum: Nothing like the sun, que contaría con la colaboración de Mark Knopfler, Eric Clapton, Gil Evans y el ex Police Andy Summers.
Justo por esos días su madre murió a causa de un cáncer, Sting escribió, Lazarus heart, un tema inspirado en su madre. Al poco tiempo, Sting recibió la noticia de la muerte de su padre. Un año después ganó el premio al mejor Lp de 1987 en el “British Phonographic Festival Award”, pero, no asistió a la ceremonia porque estaba próximo a iniciar una gira por los Estados Unidos.
Posteriormente, participó en el megaconcierto londinense organizado para conmemorar el septuagésimo cumpleaños de Nelson Mandela. Su composición They dance alone generó una polémica y un fuerte rechazo del general Pinochet porque esta habla sobre las madres de los desaparecidos. La agrupación estuvo inactiva por un tiempo y, luego de varios años, específicamente en el año 2007 volvieron al ruedo con una nueva gira en París. Pero un año después el grupo decidió desintegrarse.
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